Ein Sonntagmorgen im Botanischen Garten in Erlangen hat mir wieder einmal als Vorlage für eine kleine Serie mit schwarzweiß Bildern gedient. Das ganze deshalb, weil ich bereits mit dem Blick auf das gewünschte Ergebnis hin fotografiert habe. Da sind es weniger die Farben gewesen, die mich geleitet haben, sondern die Formen und Strukturen. Belichtet habe ich wieder in gewohnter Weise unter der Kontrolle des Programmes RawDigger auf dem Windows Tablet Surface Go. Das mag für den außenstehenden Betrachter schon merkwürdig aussehen, wenn ich hier mit der Kamera auf dem Stativ und dem Tablet in der Hand meine Bilder mache. Aber mir ist das inzwischen egal, weil ich weiß, wie perfekt ich damit meine Belichtungen machen kann.

Die Bearbeitung erfolgte diesmal in Photoshop. Allerdings habe ich zwischendurch Adobe Camera Raw (ACR ) gestartet, um mir ein SW-Profil zu holen und das sogar teilweise mehrfach, um unterschiedliche Tonwerte zu erhalten, die ich dann überblendet habe.

Wie lernte ich Photoshop

So langsam beginnen die verschiedenen Photoshop Tutorials zu wirken, die ich in den vergangenen Monaten durchgearbeitet habe. Begonnen hat es mit dem RawDigger, mit dessen Hilfe ich zunächst meine Belichtung bereits bei der Aufnahme perfektionieren konnte (Exposure to the right ETTR). Dann habe ich mir von Tony Kuyper das TK7 Panel bestellt (vorher hatte ich schon die freie 5-er und 6-er Version) mit dem dazugehörigen Trainingsmaterial auf Video von Sean Bagshaw. Auch von Sean Bagshaw habe ich inzwischen weitere Trainingsvideos zu Photoshop erworben und durchgearbeitet.

Im Bereich der künstlerischen Fine Art Schwarzweiß Fotografie habe ich viele Webseiten und Videos von Joel Tjintjelaar und Julia Anna Gospodarou besucht und studiert und mache das auch weiter bis heute. Mit ihrem  Buch „From Basics To Fine Art“ haben sie beide einen modernen Klassiker zur schwarzweiß Fotografie der letzten Jahre geschrieben.

Die Ergebnisse der Suchmaschinen hat mich dann auch auf die Webseite von Jim Welninski gebracht, der sehr inspirierende Blogs geschrieben hat und auch eigene Video Tutorials anbietet, die ich inzwischen ebenfalls alle gekauft und durchgearbeitet habe. Besonders seine SW-Profile für Lightroom und ACR (die Teil des Kurses sind) nutze ich inzwischen sehr gerne. Und als letztes habe ich mir auch das Kursmaterial von Blake Rudis gekauft, der mit seinem „Zone System Express 6“ eine sehr gut funktionierende Möglichkeit zur Erzeugung von Luminosity-Masken (und mehr) auf der Basis von „Blend if“ entwickelt hat. Das Prinzip kann man in Photoshop für jede Mischebene anwenden und ich hatte das auch schon vorher einige Male ausprobiert. Aber mit dieser Systematik wie in seinem ZSE6 hat man das bisher nirgendwo gesehen und es ist quasi auf Knopfdruck anwendbar.

Alles in Englisch

Das hat mich alles zwar einiges gekostet, aber man bekommt hier für sein Geld ein dauerhaftes Kursmaterial, das man für anderweitige Schulungen und Workshops sonst auch hätte ausgeben müssen. Für mich war es so sinnvoller angelegt und ich kann mir einzelne Kapitel wiederholt ansehen, um alles besser zu verstehen. Einziger Nachteil: es ist alles in Englisch. Für mich kein Problem, aber es schließt sicher den einen oder anderen aus. In meinen Kursen im SNE werde ich dieses Wissen aber gerne auf  Deutsch weiter geben. Und bei uns im SNE sind diese Kurse sehr erschwinglich.

Das ist natürlich keine ganz so triviale Angelegenheit, wenn man hier gewisse Ansprüche hat. Schon länger arbeite ich daran, Bilder in schwarzweiß auszuarbeiten, aber ich war bisher meist sehr unzufrieden mit dem Ergebnis. Wenn man das Zonensystem kennt und nach diesem Prinzip jahrelang im Großformat gearbeitet hat, hat man eben auch höchste Ansprüche bei der Ausarbeitung der digitalen Negative. Einige Anleitungen hierzu finden sich in Fachzeitschriften, die aber nicht immer 1:1 angewandt werden können.

Ich habe hier zunächst wieder etliche Versuche in Photoshop gemacht, bin aber nur sehr schwer damit zurechtgekommen. So tief reichen meine derzeitigen Kenntnisse doch noch nicht. Bessere Ergebnisse konnte ich in Lightroom erzielen. Hierzu habe ich alle meine Fähigkeiten im Umgang mit der Farbsteuerung (ja!), dem Weißabgleich (sehr gute Anpassungen) und dann natürlich mit der globalen und lokalen Kontrast- und Gradationssteuerung. Man lernt ja von Bild dazu und so ist es nicht verwunderlich, dass ich meine Auswahl mehrfach von vorne nach hinten durchgearbeitet habe und dabei immer wieder die Einstellungen leicht verändert habe. Ich werde wohl noch sehr viel mehr lernen müssen, um wieder auf die Qualität meiner damaligen Großformat-negative zu kommen. Aber ein gezielter Anfang ist nun gemacht.

„Ist das Leben des Individuums nicht vielleicht ebenso Viel wert wie das des ganzen Geschlechts? Denn jeder einzelne Mensch ist schon eine Welt, die mit ihm geboren wird und mit ihm stirbt. Unter jedem Grabstein liegt eine Weltgeschichte.“

Gedankliche Möglichkeiten kann man da viele durchspielen, aber man braucht für vieles dazu andere Menschen, die dabei mitmachen. Ich habe mich für die Darstellung unserer vier lebenden Generationen innerhalb der Familie entschieden; in diesem Fall die Schwiegereltern, wir selbst, eines unserer vier Kinder mit Partner und den dazugehörigen Enkel. Aber es mussten ja fünf Bilder abgeliefert werden. Nun, ein Grabstein vom Rochusfriedhof wäre schon möglich gewesen, aber im Zusammenhang mit den vier Generationen nicht der passende „Schlussstein“ für mich. Ein Taufstein als Symbol für den Beginn des neuen Lebens schon eher. Aber dann kam von der Ursula das Stichwort Stammbaum. Ja, das sollte es werden. Ein Baum als Symbol des Lebens und wie wir Menschen ebenfalls ein Individuum oder der Baum im Wald als ganzes Geschlecht. Ich wusste auch sofort, welchen Baum ich dazu fotografieren wollte (ihr seht ja, welchen ich gemeint habe).

Als ich dann mit der ersten Aufnahme bei den Schwiegereltern im Heim starten wollte, kam mein erstes Problem. Der Akku meines Blitzes war leer und ich musste unverrichteter Dinge wieder nach Hause zum Laden des Akkus. Aber auch nach dem Mittagessen zeigte der Akku keinerlei Reaktion und ich musste annehmen, dass er durch Tiefenentladung wegen längeren Nichtgebrauches defekt ist. Also habe ich meinen kleinen leistungsschwachen Systemblitz von Metzt ausgepackt. Hier hatten die Akkus noch Restladung, die nun auch für die folgenden Aufnahmen ausreichten. Allerdings musste ich zwischen den Aufnahmen lange warten, bis der Blitz wieder nachgeladen war.

Die finale Auswahl der Bilder und ein wenig Nachbearbeitung in Lightroom waren in einer Stunde erledigt. Die meiste Arbeit machte dabei das Ausflecken der Pinhole Bilder. Wegen der hohen Blendenzahl ist hier jeder kleine Fleck auf dem Sensor sichtbar. Aber nun sind die Bilder hoch geladen und wir müssen auf die Entscheidung der Jury warten. Aber hier gibt es schon mal die Bilder zu sehen, für die ich mich entschieden habe.

Ein paar Gedanken im Nachhinein. Die Veranstalter wollten die Bilder durchnummeriert innerhalb der Serie. Das macht auch wirklich SInn, um die Interpretation des Themas klar zum Ausdruck zu bringen. Und man müsste hier noch zusätzlich alle Bilder direkt nebeneinander anzeigen, was am Monitor leider nicht klappt. Aber zumindest in der Vorstellung sollte man das mal versuchen.

Ankerbild ist für mich das Selbstporträt in Schwarz-Weiß. Es steht zentral in der Mitte und wird eingerahmt von den Schwiegereltern und dem Sohn mit Partnerin. Das Selbstporträt farbig zu lassen war für mich praktisch nicht möglich. Es hätte den gleichen Stellenwert wie die andern Bilder gehabt und wäre somit als zentraler Anker nicht wahrgenommen worden. Die Aufnahme erfolgte mit der 50mm Festbrennweite bei f/5,6 und 1/60 Sekunde und einem kleinen Metz Blitzgerät mit aufgestülpten Beauty Dish und manueller Einstellung zur Aufhellung. Wir hatten uns nach jeder Auslösung das Ergebnis auf dem Display der Kamera angesehen und als ich dieses Bild gesehen habe, war schon klar, dass das in der Serie landen würde.

Das Bild der Schwiegereltern wurde mit einer Lochkamerablende (Zone Plate 43 mm, f/56) mit 6 Sek. Belichtungszeit aufgenommen. Die Unschärfe kommt nicht primär von der langen Belichtungszeit, sondern entsteht als Beugungsunschärfe wegen der hohen Blende und auch die zusätzlichen ringförmigen Zonen der Lochblende. Ich sage meinen Modellen natürlich, dass sie die 6 Sekunden nicht still sitzen müssen, da das Bild ohnehin durch die anderen Ursachen unscharf sein wird. Natürlich hatte ich auch weitere scharf aufgenommene Bilder gemacht. Aber das entsprach nicht meiner Vorstellung zu dieser Serie. Tief gefurchte Gesichter können schon mal für Charakterporträts fotografiert werden, aber hier sollte das weiche unscharfe Bild zur Vergänglichkeit unseres Lebens hindeuten.

Auch vom Sohn mit Partnerin hatte ich Aufnahmen mit der Lochblende angefertigt. Aber hier habe ich mit der normalen Aufnahme die Fortführung der Serie vom zentralen Selbstporträt gewählt, aber nun als Farbaufnahme. Das Bild hätte ja ebenfalls mit dem Aufhellblitz ausgeleuchtet werden sollen, der war aber in dem Moment der Aufnahme noch nicht geladen. Aber gerade dieses Bild hatte dann die passende Stimmung vor dem hellen Fenster und mit dem zusätzlichen Sonnenlicht von der anderen Fensterseite. Und die Aufhellung der Gesichter konnte ich in Lightroom nachholen.

Den Enkel hatte ich zwar ebenfalls zusammen mit seinen Eltern und auch als Porträt schon mehrfach mit abgelichtet, aber ich wollte genau so ein Bild von ihm, wie er in Bewegung ist. Unbelastet von weltlichen Ereignissen trägt er das Leben in sich und rennt, wie offensichtlich nur Kinder es können durch die Welt.

Beim Bild des Baumes stand ich vor der Entscheidung, wohin damit: Anfang – Mitte – Ende. Es wurde fast zwangsläufig der Anfang, da ich hiermit mein zentrales Selbstporträt mittig platzieren konnte. Aber auch vom Charakter passt es als Pinhole Aufnahme gut zum nachfolgenden Bild der Schwiegereltern. Aufgenommen wurde es mit einer normalen Lochblende mit Brennweite 43 mm, f/148 und 0,7 sec. Belichtungszeit.

Wie die Jury entschieden hat, kann man direkt beim Veranstalter des Düsseldorfer Fotomarathons ansehen:

Aber in einem Artikel über Erlangen erfährt man in der Wikipedia, dass es sich um die ehemalige Jägerkaserne der Erlanger Garnison handelt, bei der die ersten Gebäude bereits 1877 erstellt wurden. Die Soldaten sind inzwischen längst abgezogen und heute werden die Gebäude als Wohnungen, Geschäfte oder als Hörsäle und Labore der Universität Erlangens genutzt.

Zu Fuß und mit dem Rad umrundete ich den ganzen Block und habe dabei selbst Ecken entdeckt, die ich vorher noch nicht kannte. Mit einigen Leuten kam man während des fotografierens ins Gespräch, die anderen schauten eher misstrauisch meinem Treiben zu.

Architektur zu fotografieren hat schon seine besonderen Regeln, das merkt man spätestens am Computer, wenn man versucht, die meist stürzenden Linien auszurichten. Auch die unvermeidliche Verzeichnung der Objektive muss man in Lightroom erst korrigieren, damit man überhaupt zu geraden Linien kommt. Ein bisschen hatte ich auch den Anspruch, die Gebäude nicht nur im besonderen Licht, sondern auch aus besonderer Sicht darzustellen. Diese Bilder sind sicher leicht erkennbar.