Aber schon die erste Kontrolle auf dem Monitor nach der Aufnahme zeigt, dass wohl noch nicht alles wie gewünscht so aussieht „wie gemalt“. So geht es dann weiter, bis man mit den Ergebnissen auf dem Monitor erst mal zufrieden ist. Dann geht es nach Hause an den PC-Monitor und man steht vor vielleicht 100 Aufnahmen einer einzigen Blüte und fragt sich dann, was ist denn das „eine“ perfekte Bild, das „wie gemalt“ wirkt? Natürlich wird es das so nicht geben. Meist wird man einfach nach Gefühl 95 davon löschen und das ist sicher gut so. Mit den wenigen verbliebenen kann man dann seine eigenen Bilder gestalten oder durch leichte Verbesseung in LR oder Photoshop die Farben und Kontraste auf das persönliche Ziel hin optimieren. Ob das dann anderen Betrachtern gefällt oder nicht wir wohl wie bei allem anderen Bildern auch hier eine Frage des Geschmacks bleiben.

Interessant in dieser Serie finde ich zumindest den Goldfisch. Man kann sich natürlich fragen, was ist das denn? Aber ich glaube, dass hier allein schon die Farbe (und ein wenig auch die Form) ausreicht, um den Fisch zu symbolisieren. Trotzdem geht das wohl nur innerhalb einer solchen Serie. Allein-stehend würde das Bild kaum bestehen können.

Ich selbst wage hier den Schritt und stelle meine so entstandenen Aufnahmen zur Diskussion.

Beim Fotografieren ist meist der schnelle Druck auf den Auslöser der erste Schritt und in Lightroom oder Photoshop wird dann das Bild fertig „gemalt“. Mit der entsprechenden Einstellung (der eines Malers mit dem Bild im Kopf) kann man aber auch bereits bei der Aufnahme versuchen, das Ergebnis in die Richtung eines gemalten Fotos zu beeinflussen. Wisch-, Dreh- oder Zoomtechniken lassen Bilder manchmal auch so schon entsprechend malerisch aussehen. Trotzdem ist das Ergebnis mehr oder weniger zufällig. Gleiches gilt auch für andere entsprechende Techniken wie die der Langzeitbelichtung mit Graufiltern oder auch Lochkamera-Adaptionen an Digitalkameras. Wenngleich hier durchaus auch mit entsprechender Erfahrung und künstlerischem Gefühl sehr ansprechende Ergebnisse erreicht werden können. Hat man als Künstler schon einen Namen, ist das umso leichter, diese Werke in Ausstellungen zu hängen. Ein Amateur wird damit aber sicher keinen Preis gewinnen.

Ich will hier zuallererst mal in einem Selbstversuch herausfinden, was es denn mit den „kreativen Möglichkeiten“ von Lightroom und Photoshop so auf sich hat. Schließlich habe ich ja auch schon früher im eigenen Fotolabor mit allen möglichen Varianten experimentiert.

Viel muss zu den unten gezeigten Bildern nicht gesagt werden. Der kreative Prozeß in Lightroom beschränkt sich mehr oder weniger auf die Anwendung von allen möglichen Presets, die man sich selbst erstellt oder frei bzw. kostenpflichtig von verschiedenen Quellen herunterladen kann. Dann kommt Versuch und Fehler, bis einem das eine oder andere Bild gefällt. Aber nach dem 10-ten Vintage-Print hat man kapiert, dass das absolut nichts mit Kreativität zu tun hat.

Ähnlich läuft es in Photoshop, wo man über die Filter vom Ölgemälde bis zum Verwacklungseffekt ebenfalls nur vorgefertigte „Presets“ zur künstlerischen Verarbeitung bekommt. Mit ein wenig Kombination lassen sich so schon durchaus ansprechende Ergebnisse erzielen. Das Aquarell ist schon mehr Handarbeit gewesen und geht schon Richtung Composing. Aber der Hintergrund ist wieder mal eine Vorlage aus dem Internet und mit der einmaligen Anwendung als „verbraucht“ zu bewerten. Wie viele andere Künstler haben wohl mit dem gleichen Hintergrund schon ihre Werke geschaffen. Also sollte man hierfür bestenfalls auf eigene Unikate zurückgreifen und nicht vorgefertigte Vorlagen einsetzen. Das heißt natürlich, selbst zu Pinsel und Farbe zu greifen und die eigene Kreativität einsetzen.

Gemacht haben sollte man das trotzdem auf jeden Fall, um die Möglichkeit und vor allen die Grenzen dieser „kreativen“ Techniken kennen zu lernen. Das kombiniert mit den verschiedenen Ebenentechniken kann zu durchaus kreativen Composings führen, wie ich das in einem Folgebeitrag darstellen werde.