„Ich bin dann mal weg“ – dieser Titel von Hape Kerkeling ist längst zur Redewendung geworden, wenn es um eine Auszeit vom Alltag geht. Meine Auszeit war unfreiwillig und hatte nichts mit dem Jakobsweg zu tun. Dennoch spüre ich Parallelen.

Erste OP

Ein Aneurysma in der rechten Beckenarterie machte eine große Operation nötig: Die Arterie wurde verschlossen, zwei Stents eingesetzt. Die ersten Tage waren hart. Ich schaffte kaum zwanzig Meter ohne Schmerzen.

Mit dem Rollator übte ich dreimal täglich, ging um den Block – in kleinen Etappen, mit langen Pausen. Jede Woche kam ich ein Stück weiter, bis ich schließlich mehrere Hundert Meter am Stück laufen konnte. Die Physiotherapie half mir, die Muskeln langsam wieder aufzubauen.

Seit Mitte März steht der Rollator im Keller – ein schöner Moment. Jetzt drehen wir mit Walking-Stöcken unsere Runden, inzwischen über vier Kilometer. Das gibt mir ein Gefühl von Normalität und Fortschritt.

Zweite OP

Kurz vor einer geplanten Berlinreise kam der nächste Rückschlag: ein Leistenbruch, der operiert werden musste. Die Reise fiel aus, ebenso unser Österreich-Urlaub. Doch die Genesung verläuft gut, und die Ärzte erlauben mir, weiter zu walken – nur vorsichtiger.

Bilder

Die Bilder in der Galerie entstanden auf meinen Wegen draußen. Anfangs wollte ich keine Kamera mitnehmen, griff dann aber doch spontan zum Handy, um besondere Stimmungen einzufangen. Hunderte Male lief ich an denselben Motiven vorbei und lernte, „Sehen“ neu zu entdecken – aus der eingeschränkten Perspektive. Später holte ich meine alte Olympus hervor, belichtete zwei analoge Filme. Nun bin ich so weit, mit meiner Fuji GFX wieder auf Fototour zu gehen. Auch das fühlt sich wie ein Schritt in die Normalität an, doch der Weg ist noch nicht zu Ende.

Rückblickend war das Jahr eine echte Herausforderung – und eine Übung in Geduld. Bewegung bedeutet für mich heute nicht nur Fortkommen, sondern auch inneres Vorankommen – Schritt für Schritt.

Nachtrag Dezember 2025

Seit Mitte des Jahres fertige ich von einigen Fotoserien handgemachte Bücher mit Leporello-Faltung an. Für diese sehr persönliche Geschichte habe ich erstmals das Format A5 gewählt. Es brauchte mehrere Versuche, bis ich mit dem Ergebnis zufrieden war. Zunächst druckte ich die Bilder im DIN-A4-Querformat aus und knickte sie an einem 10-mm-Falzrand. Danach faltete ich die Blätter leicht versetzt zur Mitte, indem ich sie am Falzrand ausrichtete. Das Aneinanderheften der Blätter erwies sich als knifflig: Schon kleine Ungenauigkeiten ließen die gefalteten Seiten im Leporello versetzt übereinanderliegen – ein Ergebnis, das mir natürlich nicht gefiel. Erst mein drittes Werk überzeugte mich, obwohl ich auch dort neue Fehler einbaute, die ich künftig vermeiden will.

Und es wird noch besser: Ich übertrug die Bilder aus dem Leporello in ein Buchlayout, fügte weitere Motive hinzu und ließ daraus ein 48-seitiges A5-Büchlein drucken (inzwischen vergriffen).

Mittlerweile ist die 2. erweiterte Auflage erhältlich. Das Buch im A5-Format kann bei meiner Druckerei Mixam zum Selbstkostenpreis von 8,50 Euro bestellt werden. Alternativ biete ich es für 30 Euro (zuzüglich Porto) direkt an – solange der Vorrat reicht. Dazu erhalten Sie einen individuell erstellten A4-Print mit einem Bild aus dem Buch, das Sie selbst auswählen können.

Die erste und zweite Auflage gibt es außerdem als kostenlose PDF-Datei auf meiner Downloadseite.

Eine Blüte, ein Motiv – und doch unzählige Formen und Perspektiven. Zur Genesung erhielt ich eine einzelne Calla, ohne Blätter oder Gräser, wie sie sonst einen kleinen Blumengruß begleiten. Das brachte mich zum Nachdenken: Wie lässt sich eine einzelne Blüte fotografisch inszenieren? Bilder von Callas kamen mir in den Sinn, die ich in Zeitschriften, Büchern oder an Wänden gesehen hatte. Die Erinnerungen waren vage, meist zeigten sie mehrere Stängel. Ob das einfacher oder schwieriger zu fotografieren ist, überlegte ich nicht weiter. Vermutlich erfordert es mehr Aufwand, ein harmonisches Ergebnis mit mehreren Blüten zu erzielen.

Doch ich hatte nur diese eine Calla. Einen Tag und eine Nacht betrachtete ich sie, bevor ich sie mit dem „fotografischen Auge“ ansah. Ich suchte nach Blickwinkeln, Perspektiven und überlegte, wie das Licht fallen sollte. Die reinweiße Blüte stellte hohe Ansprüche an die Belichtung – sie durfte nicht ins Clipping geraten. Auch der Hintergrund war eine Frage: hell, dunkel, neutral oder im natürlichen Umfeld der Wohnung?

Die Aufnahmen

Ich begann mit ersten Versuchen unter diesen Bedingungen. Alles schien möglich: eine helle Leuchtplatte, dunkler Stoff oder neutralgrauer Karton als Hintergrund. Bald rückte die Form der Blüte ins Zentrum – das prägende Element der Serie. Es ging darum, den Charakter dieser einzigartigen Pflanze zu erfassen. Zwei Ansätze verfolgte ich zunächst: die äußere Form aus verschiedenen Perspektiven und den Blütenkelch mit dem gelben Blütenstängel.  Schließlich experimentierte ich mit Intentional Camera Movement (ICM): Mit geschlossener Blende und langer Belichtungszeit brachte ich Bewegung ins Bild. So entstanden Hunderte Fotos, von denen die meisten nach zwei bis drei Sichtungen gelöscht wurden. Einige wenige fanden ihren Weg in die Galerie.

An zwei Tagen fotografierte ich intensiv, oft im Fokusstacking-Modus, um die gesamte Blüte scharf abzubilden. Die Einzelbilder des Stackings löschte ich, nur die zusammengefügte DNG-Datei blieb als Basis für die Bearbeitung erhalten.

Die Bildbearbeitung

Obwohl die Aufnahmen korrekt belichtet waren, nahm ich fast immer Anpassungen vor. Lightroom allein genügte selten, weshalb ich die meisten Bilder zusätzlich in Photoshop bearbeitete. Lightroom hat die Eigenart, beim Import die Belichtung automatisch anzupassen. Das ist bei durchschnittlich belichteten RAW-Dateien oft nötig, da sie sonst flau wirken. Doch bei meiner „Belichtung nach rechts“ (ETTR) führt das zu ausgebrannten Lichtern. Um das zu korrigieren, wende ich ein lineares Profil an, das den ursprünglichen Zustand der RAW-Datei wiederherstellt. So steht mir das gesamte Tonwertspektrum für die Bearbeitung zur Verfügung – der Ausgangspunkt für Photoshop.

Die Bilder, die im natürlichen Licht entstanden, waren der erste Schritt meiner Auseinandersetzung mit dem Motiv. Dieser Prozess dauerte Monate und ist bis heute nicht abgeschlossen.

Die Farben

In einem Buch, einem Newsletter oder im Internet stieß ich auf ein Foto in blauen Tönen. Es inspirierte mich, eines meiner Bilder in ähnlichen Farben zu gestalten. Das quadratisch beschnittene Bild zeigte nur die äußeren Umrisse einer Blüte. Dabei löschte ich versehentlich die Originaldatei und behielt nur die bearbeitete Photoshop-Version – ein Fehler, der mir erst heute auffiel.

Die Farbgestaltung entstand durch eine einfache Verlaufsumsetzung. Die Farben hatte ich nur vage im Kopf und trug sie in die Palette ein. Nach drei Versuchen erreichte ich die gewünschte Wirkung. Zwei ungenutzte Mischebenen blendete ich aus, sodass der Weg zum Endergebnis bis heute nachvollziehbar bleibt.

Dieses Bild fasziniert mich bis heute. Es wurde der Ausgangspunkt für weitere Experimente. Die Eleganz der Blüte in ihrem „blauen Kleid“ erinnerte mich an ein Zitat von Picasso:
„Farben sind nur Symbole. Die Wirklichkeit liegt allein in der Helligkeit. Wenn ich kein Blau mehr habe, nehme ich Rot. “

Für Picasso zählte die Helligkeit. Bei meiner Calla prägt die zeitlose Form das Bild. Die Farben sind, wie Picasso sagt, nur Symbole – das zeigen auch die weiteren Umwandlungen, die ich erst fünf Monate später beim Schreiben dieser Zeilen erstellte.

Nachträglich analysierte ich die Farben der Calla im blauen Kleid: Königsblau, Himmelsblau und Lavendel dominieren. Weitere Varianten entstanden durch veränderte Mischmodi wie „weiches Licht“ oder „Luminanz“.

Details zu den weiteren Farbumwandlungen in der Bildergalerie lasse ich weg. Ab jetzt überlasse ich es dem Betrachter, die Bilder selbst zu genießen. Zum Schluss schaute ich in die Wikipedia, um nachzulesen, wie die Calla dort beschrieben wird: „Der Name Calla stammt vom altgriechischen Wort καλός kalós und bedeutet ‚schön‘. “ Dem stimme ich zu und habe deshalb dieses Wort für den Titel gewählt. Die botanische Beschreibung ist dort natürlich viel ausführlicher.

„Black Hole Sun” am Max-Planck-Institut für die Physik des Lichts schafft wissenschaftliche Symbiose zwischen Physik und Kunst.
[Link zum Artikel]

Mit diesem Text kündigten Johannes Brunner und Raimund Ritz ihr Kunstwerk an. Als Fotograf weckt solch ein Thema sofort Interesse. Schwarz und Weiß sind die Grenzwerte unserer fotografischen Tonwerte. Die Künstler versuchten, das schwärzeste Schwarz auf ihrem Objekt zu realisieren, das technisch möglich ist. In einem digitalen Bild ist das der Fall, wenn dunkle Tonwerte keine Differenzierung mehr haben oder wenn in Photoshop der Tonwert Null angezeigt wird.

Beim Ausdrucken eines solchen Bildes hat der Fotograf dasselbe Problem wie die Künstler. Es hängt vom Papier und der Druckertinte ab, wie tief das Schwarz im Ausdruck wird. In diesem dunklen Teil der Kugel gibt es keine Differenzierung von schwarzen Tonwerten; erst andere Bereiche des Bildes zeigen dunkles und dann mittleres Grau. Die Reflexion und Absorption des Photopapiers bestimmen, wie dunkel Schwarz erscheint. Es wird jedoch nie das tiefste Schwarz sein, das die Künstler auf ihrem Objekt aufgebracht haben.

Ein Kunstobjekt fotografieren?

Diese Frage stellt sich immer, wenn Fotografen ein Kunstwerk ablichten. Natürlich ist es legitim, für die Zeitung oder den Webauftritt über das Kunstwerk zu berichten. Aber wie verhält es sich bei der fotografischen Auseinandersetzung mit dem Kunstwerk? Wo endet die Dokumentation und wo beginnt die künstlerische Umsetzung als eigenes Werk? Bei „Black Hole Sun” wird es einfacher, weil die Umgebung mit den Formen des Gebäudes, den Treppen und der lichtdurchfluteten Wand bereits eigenständige fotografische Werke ermöglicht. Unterschiedliche Perspektiven und die Bewegung des Objekts bieten genug Spielraum für interessante Ergebnisse. Doch die Belichtung mit der Kamera ist nur der Anfang. Die fotografische Auseinandersetzung setzt sich am Computer fort.

Bildbearbeitung und Bild-Neugestaltung

Vorausgesetzt, die Belichtung mit der Kamera ist korrekt und die Lichter der Sonne sind nicht im Clippingbereich verschwunden, stehen für die Bildbearbeitung alle Tonwerte von Weiß bis Schwarz zur Verfügung. Die erste Frage lautet: Lasse ich das Bild in Farbe oder entscheide ich mich für eine Schwarzweiß-Umsetzung? Im Prinzip ist die Aufnahme bereits schwarzweiß, da das gesamte Treppenhaus weiß gestrichen ist. Die wenigen Farben stammen vom Lichteinfall der Sonne und den Möbeln und Schildern in der Umgebung.

Ich entschied mich, den RGB-Farbraum beizubehalten, weil farbige Nuancen das Bild prägten. Ich ging sogar noch einen Schritt weiter und fügte farbige Elemente hinzu, um eine neue Aussage zu erzeugen. Während „Black Hole Sun” die Grenzen der unbunten Tonwerte zeigt, ergänze ich mit meinen farbigen Elementen das Farbspektrum der Sonne. In der Welt gibt es keine Farbe ohne Licht; durch das Spektrum der Sonne erhalten wir reines Weiß, tiefstes Schwarz und alle Farben des Regenbogens.

Photoshop bietet unzählige Möglichkeiten zur Farbgestaltung; die Grenze setzt nur die Fantasie des Fotografen. Eigenständige Werke entstehen so allemal.

Die Motivation auf Fototour zu gehen hat zur Zeit ein wenig nachgelassen. Schon bedingt durch die Pandiemie sind die Aktivitäten geringer geworden und nun noch der heiße und dürre Sommer haben das verstärkt. Im Fotokreis haben wir immer den ersten Donnerstag im Monat für „Outdoor“ vorgesehen. Das ist unser fest vereinbarter Termin, wo wir dann doch trotz Pandemie versuchen, uns gemeinsam zum Fotografieren zu treffen. Als Ziel hatte ich die Przewalski Urwildpferde im Tennenloher Forst genannt. Gekommen ist wenigstens der Thomas, auch wenn auf dem großen Areal sich uns unsere Wege erst am Ende gekreuzt haben.

Unser aktuelles Thema ist gerade „die bewegte Kamera“. Das ist schon zu Beginn der Fotografie ein Thema gewesen und taucht auch bis heute reglmäßig in den fotografischen Magazinen auf. Zur Zeit lässt sich geradezue ein Hype zum Thema ICM (Intentional Camera Movement) beobachten. Aber wir hatten für uns dieses Thema ohne Kenntnis der aktuellen Welle bereits Ende letzten Jahres benannt. Also kein Grund, uns wegen möglicher ähnlicher Bilder in anderen Publikationen dieses Thema nicht weiter zu verfolgen. Im Gegenteil sollte es uns herausfordern, hier unsere eigenen Sichtweisen zu entwickeln und einzubringen.

Bildidee: Streifzüge

Mit dem Thema „Streifzüge“ habe ich bei meinem Streifzug rund um das Gelände der Urwildpferde versucht, meine Bildideen umzusetzen. Dazu habe ich meine Kamera möglichst genau horizontal ausgerichtet und dann die Kamera während der Belichtung horizontal geschwenkt. Das ergibt dann bereits bei der Aufnahme die unten in den Bildern gezeigten farbigen Streifen. Allerdings ist das nur ein Teil meiner Arbeit, denn ich mache auch immer zusätzlich statische Bilder, um diese dann vielleicht in Photoshop mit anderen Bildern zu vermischen. Ein typisches Beispiel hierfür ist das Pferd ganz zu Beginn meiner Tour. Ich hatte gerade Zeit, die Kamera auszurichten und ein paar Probeaufnahmen zu machen. Um das Bild wirklich scharf zu bekommen, habe ich mir dann noch den Fernauslöser aus meiner Kameratasche geholt, die 50 m entfernt am Boden lag. So lange wollte das Przewalski Pferd aber nicht mehr warten. Bis ich endlich so weit war, hat es mir gerade eine einzige Aufnahme genehmigt und ist dann weiter gezogen. So schnell konnte ich aber auch wieder nicht reagieren, um diese Bewegung dann durch Mitziehen einzufangen (probiert ja, aber zu Hause alles wieder gelöscht). Ähnlich erging es mir dann auch noch mit den Ziegen, die sich in der Nähe des Zaunes aufgehalten hatten.

Alle weiteren Aufnahmen waren dann eher statische Motive, die mal rote Früchte, blauen Himmel und grünbraune Erde als Hauptmotiv enthielten. Der Rest war dann die Arbeit mit Photoshop. Zuerst stand da natürlich die Auswahl der geeigneten Bilder an. Beim ICM entstehen große Mengen ähnlicher Bilder, die dann aber nicht  alle für eine Bearbeitung geeignet sind. Es kam ja besonders auf die Idee an, die ich im Kopf hatte. Wo sind trotz der Bewegung farbkräftige Bilder, die das von mir angestrebte Streifenmuster dann auch erlauben. Weil ich ja auch immer bestrebt bin nach rechts zu belichten (ETTR), kommen dann Bilder wie dieses unten zustande, das unbearbeitet gar nicht nach einem geeigneten Motiv aussieht. Das Histogramm verrät mir aber gleich, was ich machen muss. In Lightroom habe ich eines meiner selbst erstellten Profile mit N-2 angewandt und dann den Rest mit wenigen Reglereinstellungen angepasst. Das alles setzt voraus, dass ich mich an die Aufnahmesituation erinnern kann und deshalb weiß, dass hier die gewünschten Farbmuster enthalten sind. Dann lässt sich das in LR/PS auch so erzeugen.

Aufnahmetechnik

Es hat sich gezeigt, dass die notwendigen Belichtungszeiten von 0,5 bis 2 Sekunden ohne Graufilter nicht erreicht werden konnten. Ich habe 3 Filter zur Verfügung: 0,9 (3 Blenden), 1,8 (6 Blenden) und 3,0 (10 Blenden). Ausgehend von einer korrekten Belichtung für ETTR, konnte ich über meine Android App NDFilter die Werte umrechnen. Zuerst hatte ich den Filter mit 6 Blenden vor der Linse, habe dann aber auf den 3,0 mit 10 Blenden gewechselt. Mit den denn ca. 2 Sekunden hat sich ein guter Wischeffekt eingestellt.

Bearbeitung in Photoshop

Die anderen unten gezeigten Bilder sind Bearbeitungen in Photoshop. Um meine horizontale Bewegungsrichtung weiter zu intensivieren, habe ich dazu „Filter/Weichzeichnungsfilter/Bewegungsunschärfe“ benutzt. Die neue Ebene habe ich dann aber mit verschiedenen Mischmodi überlagert, was den Effekt ja wieder stark reduziert. Aber insgesamt konnte ich damit meine Ideen wie gewünscht realisieren.

Schon bei meiner letzten Serie mit den „Fundstücken“ habe ich mithilfe von Pinseln teilweise künstliche Hintergründe erzeugt. Das war ziemlich schlicht, weil ich bis dahin keinen Umgang mit dem kreativen Einsatz von Pinseln hatte, sondern nur bei Masken und Dodge&Burn einen schlichten runden, meist weichen Pinsel eingesetzt hatte. Darüber hatte ich mich dann auch mit Phillip Wieder während seiner Ausstellung „Nature Morte“ in Nürnberg ausgetauscht und auch er hatte bei vielen seiner ausgestellten Bilder selbst erstellte Hintergründe verwendet, wie er mir erzählte. Im Internet lassen sich dann auch jede Menge Pinsel, die meisten kostenlos, herunterladen. Meine diesbezüglichen Experimente waren dann aber mehr als enttäuschend. Ob Ölfarbe oder Wasserfarben, die Ergebnisse waren schlichtweg unbrauchbar. Dann habe ich Pinsel von Kyle T. Webster entdeckt und dabei gelernt, dass er inzwischen Mitarbeiter von Adobe ist und dort seine Pinsel (kostenlos) im Angebot hat. Ich habe die Serien von Pinseln nicht mehr gezählt, die ich inzwischen heruntergeladen habe, aber es geht in die hunderte. Und hierzu kann ich sagen, alle sind für sich perfekt. Offensichtlich gehört hier viel Know-how dazu, solche Pinservorlagen zu erstellen. Ich habe tagelang damit herumprobiert und versucht nachzuempfinden, was dahintersteckt und habe jetzt schon ein wenig Erfahrung gewonnen. Aber erst die Praxis beim Erstellen der Bilder festigt dann die Erkenntnisse.

Erste Schritte

Meine ersten Versuche habe ich mit Bildern gemacht, die an einem Wassertümpel im Tennenloher Forst entstanden sind. Was lag da näher als zu sagen, die Bilder vom Wasser ergänzt mit Farben sind nun meine „Wasserfarben“. Deshalb hier der Titel über dieser Serie. Begonnen habe ich damit, die Bilder in Photoshop erst nach schwarzweiß umzuwandeln und dann über weitere Ebenen die selbst gemalten Hintergründe als Mischebene(n) einzubinden. Das hatte zum Ziel, zunächst die im Bild enthaltenen Farben zu entfernen und durch eigene Farbtöne zu ersetzen. Das erfordert viele Experimente, denn nicht immer entsteht mit den Mischebenen der gewünschte Effekt. So habe ich denn auch zusätzlich wieder ausgewählte Farbtöne (z. B. grünes Gras) aus dem Originalbild extrahiert und ins Bild zurück gemischt. So entstand meine erste kleine Serie.

Nik Color Efex

Die letzten Jahre hatte ich die Nik Collection kaum mehr benutzt, aber jetzt habe ich mich daran erinnert, dass ich ja auch damit gezielt Farbstimmungen in meinen Bildern erzeugen kann. Gemalt habe ich jetzt nicht mehr im Bild, sondern den Rahmen, immer passend zu den Farbtönen im Bild. Eines ist jedoch gleich geblieben, nämlich der Bezug zum Wasser und damit zu den „Wasserfarben“.

Da ich selbst auch auf Leinwand bereits mit Acryl und Enkaustik (flüssiges Wachs) gemalt habe, fand ich nun diesen Umgang mit gemalten Farben am PC sehr inspirierend. Und ich bin sicher, das war nur der Anfang einer neuen Phase zwischen Fotografie und Malerei.

Das hat wieder wochenlang in meinem Kopf gearbeitet, dann habe ich mich dazu entschieden, das auf einer Glasplatte zu versuchen, die in einigem Abstand vom Boden angeordnet war. Der erste Versuch mit spiegelndem Glas hat nicht funktioniert, aber mit einer matten Glasscheibe aus einem Bilderrahmen hat es dann meinen Vorstellungen entsprochen. Unterhalb der Glasscheibe auf dem Boden hatte ich jeweils einen weißen und einen schwarzen Passepartoutkarton sowie ein schwarzes Samttuch als Hintergrund benutzt. Da die Kamera fest auf einem Stativ stand, konnte ich so der Reihe nach jeweils drei Aufnahmen von den Blättern machen. Die Kamera war direkt mit dem Laptop verbunden, wo ich sofort nach der Aufnahme meine Belichtung beurteilen konnte. Alle Aufnahmen wurden so belichtet, dass ich die maximale Anzahl der Tonwerte zur Verfügung habe, d.h. für mich wie immer bei solchen statischen Motiven ETTR, Belichtung nach rechts.

Alle Bilder wurden im gleichen Maßstab fotografiert. Die länglichen Samen und das große Ahornblatt haben somit die Größe vorgegeben. Bei den kleineren Blättern wurde der Abstand beibehalten, womit später der Größenvergleich sichtbar bleibt. Der nächste Schritt war nun die Entwicklung in Lightroom und Photoshop. Sollte die Entwicklung nun Schwarz-Weiß oder farbig sein? Nach einem ersten Vergleich mit den beiden Eichenblättern habe ich mich zunächst für die farbige Entwicklung entschieden. Vielleicht kommt später noch eine schwarzweiß-Variante hinzu.

Nachdem alle Blätter losgelöst von ihrer Umgebung fotografiert wurden, hatte ich jetzt die völlige Freiheit diese in eine neue Umgebung einzubinden. Dass ich mich dabei nicht an der Wirklichkeit orientieren musste, ist ja sofort klar, denn sonst hätte ich das ja direkt in der Natur machen können. Entsprechende Aufnahmen dieser Art habe ich ja schon zur Genüge in meinem Archiv. Aber genau das habe ich schließlich auch genutzt und habe mir Hintergründe ausgesucht, die vielleicht so hätten sein können. Allerdings manchmal mit viel Fantasie. Durch die Anwendung von Unschärfe und verschiedener Mischmodi der Ebenen in Photoshop habe ich versucht, unterschiedlichste Ergebnisse zu erzielen. Habe ich mal keinen passenden Hintergrund gefunden, wurde dieser mit einigen Pinselstrichen eben selbst erstellt und dann mit der Ebenenmischung passend gemacht.

Hier ist nun meine Galerie.