Aber die meisten Bilder von dieser Tour hatte ich längst als schwarzweiß-Bilder bereits während der Aufnahme im Kopf. Wie geht das? Ich brauche hierzu keine Hilfsmittel mehr (z. B. die Kamera auf SW einzustellen, wie es häufig empfohlen wird), denn in meiner bisherigen fotografischen Entwicklung habe ich viele Jahre nur in Schwarz und Weiß fotografiert. Und im Grunde genommen ist die Vorstellung davon sehr einfach zu realisieren, denn fotografieren in schwarzweiß bedeutet,  Helligkeiten und Kontraste zu fotografieren. Und das war an diesem Tag eine ziemlich einfache Sache, denn die Sonne beleuchtete die Gräber auf dem Johannisfriedhof auf die wunderbarste Art und Weise.

Bereits nach wenigen Aufnahmen habe ich die kleinen weißen Engelsfiguren für mich entdeckt. Bei denen waren die Helligkeiten und die Kontraste extrem ausgeprägt. Aber für mich und meine Art zu fotografieren war dies genau die richtige Herausforderung. Konnte ich doch die korrekte Belichtung sofort nach der Aufnahme auf dem Windows Tablet Surface Go direkt mit dem RawDigger kontrollieren. Ziel war maximale Belichtung nach rechts, ohne in den Clipping Bereich zu kommen. Das garantiert die maximalen Tonwerte in den hellsten Stellen, ohne Pixel zu verlieren.

Diese Art der künstlerischen Fotografie in Schwarzweiß ist inzwischen mein Weg und mein Ziel, um Bilder zu schaffen, die die Grenzen des Tonwertumfanges maximal ausreizen. Wenn ich heute zurückblicke auf die Zeit, als ich analog mit der Großformatkamera auf schwarzweiß Film gearbeitet habe, wird mir bewusst, was maximaler Tonwertumfang wirklich bedeutet. Hatte man damals sein Negativ nach dem Zonensystem korrekt belichtet und entwickelt, konnte man im Labor auf Papier normaler Gradation ein nahezu perfektes Ergebnis erhalten. Mit den heutigen Möglichkeiten der digitalen Fotografie lässt sich das wieder erreichen, wenn nicht sogar übertreffen, da die Möglichkeiten bei der Ausarbeitung am Computer ungleich vielfältiger sind, als damals im Labor, wo es neben abwedeln und nachbelichten kaum Möglichkeiten gab, die Tonwerte weiter zu beeinflussen. Ein wenig konnte man noch mit einer Selentonung erreichen. Was unter diesem Stichwort heute aber digital als Presets angeboten wird, ist leider völlig daneben; das kann ich aus meiner Erfahrung hier mal sagen.

Die Ausarbeitung der Bilder erfolgte mit Lightroom und Photoshop.

Viele der Engelsfiguren haben einen Spruch der Erinnerung als Botschaft an den Besucher und an den verstorbenen. Einen möchte ich hier besonders hervorheben:

Es gibt erfülltes Leben trotz vieler unerfüllter Wünsche.
– Dietrich Bonhoeffer

Wenn man wie hier so viele Engelchen fotografiert und sorgfältig bearbeitet hat, kommt man schon ein wenig ins Grübeln. Schließlich sind diese Engelchen nicht irgendwelche Figuren, sondern Botschafter zwischen der Erde und dem Himmel. Selbst ohne Worte drücken diese Figuren für mich Botschaften aus, die von den Angehörigen den verstorbenen liebevoll entgegengebracht werden. Auch wenn längst die Farbe abblättert und Hände oder Füße abgebrochen sind, bleiben diese Botschafter des Himmels ein Stück Verbindung zu den zurückgebliebenen. Ich bin noch im Nachhinein ein wenig gerührt von dieser Erfahrung, die ich hier machen durfte.

Ich will die Leistung der heutigen digitalen Kameras nicht grundsätzlich schmälern, weil ja die meisten Leute damit wirklich brauchbare Ergebnisse bekommen. Aber man stelle sich nur mal kurz vor, wir halten der Kamera nacheinander ein weißes und ein schwarzes Blatt Papier vor die Linse und schon ist der auf Millionen von Bildern trainierte Belichtungssensor nicht mehr in der Lage, die beiden Objekte korrekt zu belichten. Wir bekommen beide Male ein graues Ergebnis. Und hier kommt nun der wahre Fotograf ins Spiel. Nur er weiß, dass er gerade in einer Schneelandschaft ist oder auf einer Lava Insel mit schwarzem Sand an der Küste. Mit ein wenig Wissen ist er in der Lage, beide Bilder korrekt zu belichten. Ich habe das in meinen letzten beiden Kursen im SNE erläutert und auf meiner parallelen Webseite von foto-aktiv ausführlich dokumentiert. Auch in der Ausstellung der Gruppe „foto-spektrum“ im Januar 2019 in Forchheim hatte ich diese besondere Herausforderung unter dem Titel „Here comes the sun“ thematisiert.

Dieser Beitrag mit Bildern in schwarzweiß ist nun die Fortsetzung dieses Themas unter dem Titel „Licht“. Auch diese Bilder werden demnächst in einer Ausstellung des foto-spektrum’s im Erlanger Rathaus zu sehen sein (08. bis 18. April 2019). Neben dem Licht müssen in einem schwarzweiß Foto aber noch weitere Kriterien erfüllt sein. Die Liste hierzu ist lang und ich werde das auch wieder in einer weiteren Schulung am 10. April 2019 im SNE unter dem Titel „Praxis schwarzweiß Fotografie“ ausführlich erläutern. Die zwei wichtigsten hier schon mal vorweg:

• Form und
• Struktur

Beide Kriterien zusammen können im Bild vorhanden sein, müssen aber nicht. In vielen Bilden findet man z. B. nur Strukturen, die durch das Licht geformt werden oder eben nur die Form, die über Licht und Schatten modelliert wird. Bei unseren Bilddiskussionen in den verschiedenen Fotogruppen versuche ich, diese vielfältigen Elemente der Bildgestaltung in schwarzweiß zu erklären. Hier nun eine kleine Vorauswahl der Bilder, die ich für die anstehende Ausstellung vorab ausgewählt habe. Die Kriterien möge jeder selbst überprüfen und auch versuchen heraus zu finden, was sonst noch zur Bildwirkung beiträgt.

Für uns als Fotografen stellt sich als Erstes die Frage, ob man denn „Kunst“ einfach so ablichten darf. Ich meine ja, aber dabei sollte schon der Anspruch bestehen, dem Ergebnis einen eigenständigen Charakter zu geben. Wie man das macht, ist dabei die Herausforderung. Im Wesentlichen wird es hier um den Ausschnitt gehen, um die teils schmalen und teils flächigen Glaselemente in eine spannungsreiche Beziehung zusetzen. Aber auch einzelne Details können dazu dienen, die gewünschte Abstraktion zu erreichen.

Da der Himmel draußen stark bewölkt war, konnten wir zunächst den Effekt mit dem farbigen Licht in der Kirche leider nicht beobachten. Aber als wir schon die Kameras eingepackt hatten, brach plötzlich die Sonne durch. Also die Kamera ganz schnell wieder ausgepackt und ohne Stativ das gebotene Lichtschauspiel einfangen. Das war nun wirklich eine Herausforderung, musste doch wegen der Freihand Fotografie die ISO Zahl freigegeben und die Blende weit geöffnet werden. Die Belichtung ist in den meisten Fällen zumindest gut gelungen, aber die Schärfe könnte besser sein; 1/25s frei Hand ist eben doch nicht so einfach verwacklungsfrei hinzubekommen.

Eine weitere Herausforderung von technischer Seite war natürlich die Ermittlung der korrekten Belichtung. Durch die unterschiedliche Farbe der Glasbausteine kam auch unterschiedlich viel Licht von draußen durch die Steine hindurch. Mit meiner Erfahrung aus dem kürzlich gehaltenen Vortrag zu „Licht und Belichtung“ im Seniorennetz, hatte ich meinen Handbelichtungsmesser dabei. Damit habe ich im Raum eine Lichtmessung gemacht, die mir Blende f/8 bei 0,5s und ISO 100 angezeigt hat. Meine Idee war, dass das durch die Steine kommende Licht dann den Bereich bis zur Sättigung (clipping) füllen würde. Trotzdem habe ich Belichtungsreihen angefertigt mit zusätzlich 0,8s bis 2,5s. Diese Aufnahmen konnte ich dann praktisch alle löschen, da mein erster Ansatz genau richtig lag.

Die Entwicklung der RAW-Bilder erfolgte mit Lightroom. Die automatische Entwicklung hat mir nicht gereicht; in den meisten Fällen wurde die Klarheit verstärkt und der Kontrast mit „Dunst entfernen“ gesteigert. Auch die Tiefen hatte die Automatik zu sehr angehoben, was ich wieder nach unten korrigieren musste. In einigen Fällen wurde auch die Sättigung auf ca. 25% angehoben. Lokale Korrekturen waren nicht erforderlich, aber der Ausschnitt wurde besonders bei den hochformatigen Bildern auf 4×5 eingestellt.

Experimente mit Lightroom und Photoshop

Nach einiger Zeit der Ruhe und des Einwirken lassens habe ich noch ein wenig experimentiert. In Lightroom habe ich dabei bei einigen Bildern die Gradationskurve in „Schwingungen“ versetzt, um so das Farbenspiel zu intensivieren. Anleitung kann man hierzu keine geben, sondern man muss schon selbst ein wenig damit experimentieren. Meine wichtigste Erkenntnis im Umgang damit ist aber, dass man sofort aufhören sollte, sobald man ein schönes Ergebnis vor sich hat. Zumindes abspeichern und eine weitere virtuelle Kopie anfertigen bevor man weiter experimentiert. Es gibt nämlich bei diesem Experiment keinen Weg zurück, weil bereits kleinste Änderungen eines Kurvenpunktes völlig andere Farbwerte erzeugen. Selbstverständlich kann man hierbei zusätzlich mit den Klarheit-, Dunst entfernen-, Sättigungs- und Dynamk-Reglern spielen. Aber auch hier gilt fast das gleiche wie oben gesagt, alles ändert sich meist gravierend. Aber wenn man die alte Reglerstellung notiert hat, kann man dabei zumindest wieder zurück. Bei den Lightroom Bildern habe ich zur Veranschaulichung die zur „Farbsolarisation“ verwendete Gradationskurve dazu gestellt.

Zwei weitere Bilder entstanden in Photoshop als Überlagerung zweier Motive. Dabei wurde lediglich der Mischmodus der oberen Ebene verändert und das Bild dann auf die Hintergrundebene reduziert (sonst werden die Dateien riesig groß). Manchmal habe ich die obere Ebene dupliziert und über „weiches Licht“ zusammen gefügt um den Kontrast zu verstärken, dann aber weiter einen anderen Mischmodus gesucht, der zum Endergebnis passt.

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