„Black Hole Sun” am Max-Planck-Institut für die Physik des Lichts schafft wissenschaftliche Symbiose zwischen Physik und Kunst.
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Mit diesem Text kündigten Johannes Brunner und Raimund Ritz ihr Kunstwerk an. Als Fotograf weckt solch ein Thema sofort Interesse. Schwarz und Weiß sind die Grenzwerte unserer fotografischen Tonwerte. Die Künstler versuchten, das schwärzeste Schwarz auf ihrem Objekt zu realisieren, das technisch möglich ist. In einem digitalen Bild ist das der Fall, wenn dunkle Tonwerte keine Differenzierung mehr haben oder wenn in Photoshop der Tonwert Null angezeigt wird.

Beim Ausdrucken eines solchen Bildes hat der Fotograf dasselbe Problem wie die Künstler. Es hängt vom Papier und der Druckertinte ab, wie tief das Schwarz im Ausdruck wird. In diesem dunklen Teil der Kugel gibt es keine Differenzierung von schwarzen Tonwerten; erst andere Bereiche des Bildes zeigen dunkles und dann mittleres Grau. Die Reflexion und Absorption des Photopapiers bestimmen, wie dunkel Schwarz erscheint. Es wird jedoch nie das tiefste Schwarz sein, das die Künstler auf ihrem Objekt aufgebracht haben.

Ein Kunstobjekt fotografieren?

Diese Frage stellt sich immer, wenn Fotografen ein Kunstwerk ablichten. Natürlich ist es legitim, für die Zeitung oder den Webauftritt über das Kunstwerk zu berichten. Aber wie verhält es sich bei der fotografischen Auseinandersetzung mit dem Kunstwerk? Wo endet die Dokumentation und wo beginnt die künstlerische Umsetzung als eigenes Werk? Bei „Black Hole Sun” wird es einfacher, weil die Umgebung mit den Formen des Gebäudes, den Treppen und der lichtdurchfluteten Wand bereits eigenständige fotografische Werke ermöglicht. Unterschiedliche Perspektiven und die Bewegung des Objekts bieten genug Spielraum für interessante Ergebnisse. Doch die Belichtung mit der Kamera ist nur der Anfang. Die fotografische Auseinandersetzung setzt sich am Computer fort.

Bildbearbeitung und Bild-Neugestaltung

Vorausgesetzt, die Belichtung mit der Kamera ist korrekt und die Lichter der Sonne sind nicht im Clippingbereich verschwunden, stehen für die Bildbearbeitung alle Tonwerte von Weiß bis Schwarz zur Verfügung. Die erste Frage lautet: Lasse ich das Bild in Farbe oder entscheide ich mich für eine Schwarzweiß-Umsetzung? Im Prinzip ist die Aufnahme bereits schwarzweiß, da das gesamte Treppenhaus weiß gestrichen ist. Die wenigen Farben stammen vom Lichteinfall der Sonne und den Möbeln und Schildern in der Umgebung.

Ich entschied mich, den RGB-Farbraum beizubehalten, weil farbige Nuancen das Bild prägten. Ich ging sogar noch einen Schritt weiter und fügte farbige Elemente hinzu, um eine neue Aussage zu erzeugen. Während „Black Hole Sun” die Grenzen der unbunten Tonwerte zeigt, ergänze ich mit meinen farbigen Elementen das Farbspektrum der Sonne. In der Welt gibt es keine Farbe ohne Licht; durch das Spektrum der Sonne erhalten wir reines Weiß, tiefstes Schwarz und alle Farben des Regenbogens.

Photoshop bietet unzählige Möglichkeiten zur Farbgestaltung; die Grenze setzt nur die Fantasie des Fotografen. Eigenständige Werke entstehen so allemal.

Die Motivation auf Fototour zu gehen hat zur Zeit ein wenig nachgelassen. Schon bedingt durch die Pandiemie sind die Aktivitäten geringer geworden und nun noch der heiße und dürre Sommer haben das verstärkt. Im Fotokreis haben wir immer den ersten Donnerstag im Monat für „Outdoor“ vorgesehen. Das ist unser fest vereinbarter Termin, wo wir dann doch trotz Pandemie versuchen, uns gemeinsam zum Fotografieren zu treffen. Als Ziel hatte ich die Przewalski Urwildpferde im Tennenloher Forst genannt. Gekommen ist wenigstens der Thomas, auch wenn auf dem großen Areal sich uns unsere Wege erst am Ende gekreuzt haben.

Unser aktuelles Thema ist gerade „die bewegte Kamera“. Das ist schon zu Beginn der Fotografie ein Thema gewesen und taucht auch bis heute reglmäßig in den fotografischen Magazinen auf. Zur Zeit lässt sich geradezue ein Hype zum Thema ICM (Intentional Camera Movement) beobachten. Aber wir hatten für uns dieses Thema ohne Kenntnis der aktuellen Welle bereits Ende letzten Jahres benannt. Also kein Grund, uns wegen möglicher ähnlicher Bilder in anderen Publikationen dieses Thema nicht weiter zu verfolgen. Im Gegenteil sollte es uns herausfordern, hier unsere eigenen Sichtweisen zu entwickeln und einzubringen.

Bildidee: Streifzüge

Mit dem Thema „Streifzüge“ habe ich bei meinem Streifzug rund um das Gelände der Urwildpferde versucht, meine Bildideen umzusetzen. Dazu habe ich meine Kamera möglichst genau horizontal ausgerichtet und dann die Kamera während der Belichtung horizontal geschwenkt. Das ergibt dann bereits bei der Aufnahme die unten in den Bildern gezeigten farbigen Streifen. Allerdings ist das nur ein Teil meiner Arbeit, denn ich mache auch immer zusätzlich statische Bilder, um diese dann vielleicht in Photoshop mit anderen Bildern zu vermischen. Ein typisches Beispiel hierfür ist das Pferd ganz zu Beginn meiner Tour. Ich hatte gerade Zeit, die Kamera auszurichten und ein paar Probeaufnahmen zu machen. Um das Bild wirklich scharf zu bekommen, habe ich mir dann noch den Fernauslöser aus meiner Kameratasche geholt, die 50 m entfernt am Boden lag. So lange wollte das Przewalski Pferd aber nicht mehr warten. Bis ich endlich so weit war, hat es mir gerade eine einzige Aufnahme genehmigt und ist dann weiter gezogen. So schnell konnte ich aber auch wieder nicht reagieren, um diese Bewegung dann durch Mitziehen einzufangen (probiert ja, aber zu Hause alles wieder gelöscht). Ähnlich erging es mir dann auch noch mit den Ziegen, die sich in der Nähe des Zaunes aufgehalten hatten.

Alle weiteren Aufnahmen waren dann eher statische Motive, die mal rote Früchte, blauen Himmel und grünbraune Erde als Hauptmotiv enthielten. Der Rest war dann die Arbeit mit Photoshop. Zuerst stand da natürlich die Auswahl der geeigneten Bilder an. Beim ICM entstehen große Mengen ähnlicher Bilder, die dann aber nicht  alle für eine Bearbeitung geeignet sind. Es kam ja besonders auf die Idee an, die ich im Kopf hatte. Wo sind trotz der Bewegung farbkräftige Bilder, die das von mir angestrebte Streifenmuster dann auch erlauben. Weil ich ja auch immer bestrebt bin nach rechts zu belichten (ETTR), kommen dann Bilder wie dieses unten zustande, das unbearbeitet gar nicht nach einem geeigneten Motiv aussieht. Das Histogramm verrät mir aber gleich, was ich machen muss. In Lightroom habe ich eines meiner selbst erstellten Profile mit N-2 angewandt und dann den Rest mit wenigen Reglereinstellungen angepasst. Das alles setzt voraus, dass ich mich an die Aufnahmesituation erinnern kann und deshalb weiß, dass hier die gewünschten Farbmuster enthalten sind. Dann lässt sich das in LR/PS auch so erzeugen.

Aufnahmetechnik

Es hat sich gezeigt, dass die notwendigen Belichtungszeiten von 0,5 bis 2 Sekunden ohne Graufilter nicht erreicht werden konnten. Ich habe 3 Filter zur Verfügung: 0,9 (3 Blenden), 1,8 (6 Blenden) und 3,0 (10 Blenden). Ausgehend von einer korrekten Belichtung für ETTR, konnte ich über meine Android App NDFilter die Werte umrechnen. Zuerst hatte ich den Filter mit 6 Blenden vor der Linse, habe dann aber auf den 3,0 mit 10 Blenden gewechselt. Mit den denn ca. 2 Sekunden hat sich ein guter Wischeffekt eingestellt.

Bearbeitung in Photoshop

Die anderen unten gezeigten Bilder sind Bearbeitungen in Photoshop. Um meine horizontale Bewegungsrichtung weiter zu intensivieren, habe ich dazu „Filter/Weichzeichnungsfilter/Bewegungsunschärfe“ benutzt. Die neue Ebene habe ich dann aber mit verschiedenen Mischmodi überlagert, was den Effekt ja wieder stark reduziert. Aber insgesamt konnte ich damit meine Ideen wie gewünscht realisieren.

Schon bei meiner letzten Serie mit den „Fundstücken“ habe ich mithilfe von Pinseln teilweise künstliche Hintergründe erzeugt. Das war ziemlich schlicht, weil ich bis dahin keinen Umgang mit dem kreativen Einsatz von Pinseln hatte, sondern nur bei Masken und Dodge&Burn einen schlichten runden, meist weichen Pinsel eingesetzt hatte. Darüber hatte ich mich dann auch mit Phillip Wieder während seiner Ausstellung „Nature Morte“ in Nürnberg ausgetauscht und auch er hatte bei vielen seiner ausgestellten Bilder selbst erstellte Hintergründe verwendet, wie er mir erzählte. Im Internet lassen sich dann auch jede Menge Pinsel, die meisten kostenlos, herunterladen. Meine diesbezüglichen Experimente waren dann aber mehr als enttäuschend. Ob Ölfarbe oder Wasserfarben, die Ergebnisse waren schlichtweg unbrauchbar. Dann habe ich Pinsel von Kyle T. Webster entdeckt und dabei gelernt, dass er inzwischen Mitarbeiter von Adobe ist und dort seine Pinsel (kostenlos) im Angebot hat. Ich habe die Serien von Pinseln nicht mehr gezählt, die ich inzwischen heruntergeladen habe, aber es geht in die hunderte. Und hierzu kann ich sagen, alle sind für sich perfekt. Offensichtlich gehört hier viel Know-how dazu, solche Pinservorlagen zu erstellen. Ich habe tagelang damit herumprobiert und versucht nachzuempfinden, was dahintersteckt und habe jetzt schon ein wenig Erfahrung gewonnen. Aber erst die Praxis beim Erstellen der Bilder festigt dann die Erkenntnisse.

Erste Schritte

Meine ersten Versuche habe ich mit Bildern gemacht, die an einem Wassertümpel im Tennenloher Forst entstanden sind. Was lag da näher als zu sagen, die Bilder vom Wasser ergänzt mit Farben sind nun meine „Wasserfarben“. Deshalb hier der Titel über dieser Serie. Begonnen habe ich damit, die Bilder in Photoshop erst nach schwarzweiß umzuwandeln und dann über weitere Ebenen die selbst gemalten Hintergründe als Mischebene(n) einzubinden. Das hatte zum Ziel, zunächst die im Bild enthaltenen Farben zu entfernen und durch eigene Farbtöne zu ersetzen. Das erfordert viele Experimente, denn nicht immer entsteht mit den Mischebenen der gewünschte Effekt. So habe ich denn auch zusätzlich wieder ausgewählte Farbtöne (z. B. grünes Gras) aus dem Originalbild extrahiert und ins Bild zurück gemischt. So entstand meine erste kleine Serie.

Nik Color Efex

Die letzten Jahre hatte ich die Nik Collection kaum mehr benutzt, aber jetzt habe ich mich daran erinnert, dass ich ja auch damit gezielt Farbstimmungen in meinen Bildern erzeugen kann. Gemalt habe ich jetzt nicht mehr im Bild, sondern den Rahmen, immer passend zu den Farbtönen im Bild. Eines ist jedoch gleich geblieben, nämlich der Bezug zum Wasser und damit zu den „Wasserfarben“.

Da ich selbst auch auf Leinwand bereits mit Acryl und Enkaustik (flüssiges Wachs) gemalt habe, fand ich nun diesen Umgang mit gemalten Farben am PC sehr inspirierend. Und ich bin sicher, das war nur der Anfang einer neuen Phase zwischen Fotografie und Malerei.

Das hat wieder wochenlang in meinem Kopf gearbeitet, dann habe ich mich dazu entschieden, das auf einer Glasplatte zu versuchen, die in einigem Abstand vom Boden angeordnet war. Der erste Versuch mit spiegelndem Glas hat nicht funktioniert, aber mit einer matten Glasscheibe aus einem Bilderrahmen hat es dann meinen Vorstellungen entsprochen. Unterhalb der Glasscheibe auf dem Boden hatte ich jeweils einen weißen und einen schwarzen Passepartoutkarton sowie ein schwarzes Samttuch als Hintergrund benutzt. Da die Kamera fest auf einem Stativ stand, konnte ich so der Reihe nach jeweils drei Aufnahmen von den Blättern machen. Die Kamera war direkt mit dem Laptop verbunden, wo ich sofort nach der Aufnahme meine Belichtung beurteilen konnte. Alle Aufnahmen wurden so belichtet, dass ich die maximale Anzahl der Tonwerte zur Verfügung habe, d.h. für mich wie immer bei solchen statischen Motiven ETTR, Belichtung nach rechts.

Alle Bilder wurden im gleichen Maßstab fotografiert. Die länglichen Samen und das große Ahornblatt haben somit die Größe vorgegeben. Bei den kleineren Blättern wurde der Abstand beibehalten, womit später der Größenvergleich sichtbar bleibt. Der nächste Schritt war nun die Entwicklung in Lightroom und Photoshop. Sollte die Entwicklung nun Schwarz-Weiß oder farbig sein? Nach einem ersten Vergleich mit den beiden Eichenblättern habe ich mich zunächst für die farbige Entwicklung entschieden. Vielleicht kommt später noch eine schwarzweiß-Variante hinzu.

Nachdem alle Blätter losgelöst von ihrer Umgebung fotografiert wurden, hatte ich jetzt die völlige Freiheit diese in eine neue Umgebung einzubinden. Dass ich mich dabei nicht an der Wirklichkeit orientieren musste, ist ja sofort klar, denn sonst hätte ich das ja direkt in der Natur machen können. Entsprechende Aufnahmen dieser Art habe ich ja schon zur Genüge in meinem Archiv. Aber genau das habe ich schließlich auch genutzt und habe mir Hintergründe ausgesucht, die vielleicht so hätten sein können. Allerdings manchmal mit viel Fantasie. Durch die Anwendung von Unschärfe und verschiedener Mischmodi der Ebenen in Photoshop habe ich versucht, unterschiedlichste Ergebnisse zu erzielen. Habe ich mal keinen passenden Hintergrund gefunden, wurde dieser mit einigen Pinselstrichen eben selbst erstellt und dann mit der Ebenenmischung passend gemacht.

Hier ist nun meine Galerie.

Die Fototour in Arzberg war die erste gemeinsame Aktion unseres Fotokreises seit Beginn der Corona Krise. Wir waren im Fabrikgelände der einstigen Lebkuchenfabrik sowie in der ehemaligen Produktionsstätte der Arzberger Porzellanfabrik unterwegs. Die Gruppe mit zehn Teilnehmern verteilte sich großzügig auf die Fabrikhallen, womit sich die Benutzung einer Maske erübrigte. Es ist für mich lange her, dass ich zuletzt „Lost Places“ fotografiert habe und die Einstellung zu diesem Thema hat sich für mich inzwischen drastisch geändert. Früher überwog das eher Dokumentarische des Verfalls und der Versuch, die Schönheit darin zu entdecken. Aber in dem Chaos, das sich bereits damals und auch heute wieder zeigte, war Schönheit gar nicht so einfach zu entdecken. Ich habe mich diesmal auf wenige Motive beschränkt und diese nicht nur dokumentarisch „scharf“ aufgezeichnet, sondern auch in verschiedenen Unschärfe-Varianten. Entsprechende Versuche hatte ich bereits in der Landschaftsfotografie unternommen und wollte das hier mit den sehr statischen Motiven erneut versuchen.

Bildkonzept

Wie die Bilder zeigen, gehe ich bei der Entwicklung teilweise schon recht eigenwillige Wege, bei der das ursprüngliche Objekt manchmal nicht mehr erkennbar ist, sondern eine neue, eigenständige Kreation entsteht. Es ist nicht nur die Kombination der scharf und der unscharf aufgenommenen Bilder, sondern auch ein drehen, wenden und ineinanderkopieren mit verschiedenen Mischmodi in Photoshop. Die unscharfen Bilder erzeugen von sich aus bereits eine gewisse Korona, die ich über einen „Smart Orton-Effekt“ noch weiter verstärke. In den meisten Fällen hatte ich bei meinen Umsetzungen zuerst die farbigen Varianten erstellt und erst mit den obersten Ebenen begonnen, die Schwarz-Weiß-Umsetzungen zu machen. Dabei habe ich dann sogar Einstellungsebenen wieder weiter nach unten in den Farbbereich verschoben, weil das auch dort eine Verbesserung des Ergebnisses gebracht hat. So waren für die finalen SW-Umwandlungen nur noch wenige Schritte nötig.

Bildserie Schwarz-Weiß

Bildergalerie Porzellan- und Lebkuchenfabrik Arzberg: ©  Wilhelm Kleinöder, 2021, (CC BY-NC-ND 3.0 DE).

Bildserie Farbe

Ich hatte, wie oben geschrieben, meine Bearbeitungen in Photoshop mit der farbigen Umsetzung begonnen und daraus erst zum Schluss die Schwarz-Weiß-Umwandlung gemacht. Dann hatte ich zunächst auch eine farbige Bildserie für einen zweiten Blogbeitrag vorbereitet, die von den oben gezeigten SW-Bildern abweicht. Aber nun habe ich mich dazu entschieden, doch die Basisvarianten der obigen SW-Bilder hier in der zweiten Galerie zu zeigen, weil ich ja die Bearbeitung in Photoshop auf diesem Weg so gemacht habe. Während meiner Bildbearbeitung habe ich aber von vorneherein die Schwarz-Weiß-Umsetzung im Kopf gehabt und habe bereits von Beginn an immer wieder eine Verlaufsumsetzung zu SW gemacht, um zu sehen, wohin ich mich bewege. Selbst am Ende der Bearbeitung habe ich dann noch Ebenen aus dem SW-Stapel nach unten verschoben, weil dies dann auch im farbigen Bild den gewünschten Effekt eingebracht hat. Auch wenn von Anfang an das SW-Bild das Ziel war, so ist trotzdem ein eigenständiges Farbbild entstanden, das meinen Vorstellungen von Farbe voll entspricht. Wie man sehen kann, sind das teilweise recht zarte, aber wo notwendig auch kräftige Tonwerte, die den Bildausdruck bestimmen. Es hätte jeweils bereits das Endergebnis sein können, aber für mich war es zumindest in dieser Serie die Vorstufe für die Schwarz-Weiß-Bilder.

Ausgenommen sind hier vier Bilder, die von vornherein so prägnant SW waren, dass es dazu keine farbige Vorstufe gegeben hat. Die sind in der obigen SW-Galerie leicht zu identifizieren.

Bildergalerie Porzellan- und Lebkuchenfabrik Arzberg: ©  Wilhelm Kleinöder, 2021, (CC BY-NC-ND 3.0 DE).

Jeder Film wird dabei individuell belichtet und entwickelt. Die Entwicklungsparameter werden dabei bereits bei der Belichtungsmessung festgelegt. Hier war es nötig, eine N+2 Entwicklung zu machen, um den geringen Kontrastumfang durch den Nebel von Zone VI auf VIII anzuheben. Das definiert dann auch den ISO Wert (250) und die Belichtungsparameter f/32 1/3 bei 1/8 sec. Eine Aufnahme reichte mir damals und ich wusste, dass das Ergebnis stimmen würde. In der Rückschau ist mir das wichtig zu erwähnen, weil es eine Arbeitsweise beschreibt, der ich mich heute wieder annähere. Mit meiner jetzigen Technik, wo ich bei einer sehr genauen Belichtung nach rechts (ETTR) versuche, bestmöglichen Tonwertumfang des digitalen Sensors auszunutzen. Mein damaliges Wissen basierte auf hunderten von Testaufnahmen und Planfilmentwicklungen, die mir die Sicherheit gaben, das gewünschte Ergebnis bezüglich Schwellenwert und maximaler Filmdichte in den Lichtern zu erreichen. Heute kann ich ebenfalls von meinen Experimenten mit dem an der Kamera angeschlossenen Computer profitieren, der mir anzeigt, wann der kritische Clippingpunkt erreicht ist. Bei der digitalen Bearbeitung am Computer sehe ich dann, wie sich das Wissen von damals mit dem heutigen vereint. Es sind die Tonwerte, die das Ergebnis maßgeblich bestimmen. Bei einem großformatigen Negativ mit 8×10 Inch, transferiert auf das Silber-reichste Fotopapier, das es damals gab (Kodak Elite) ist das trotz allem noch eine handwerkliche Herausforderung gewesen. Heute kann ich mit einem optimal belichteten RAW-Bild ein Vielfaches mehr erreichen, da der Prozess mit Lightroom und Photoshop sehr viel leichter gesteuert werden kann.

Den Egidienstein fotografierte ich in der Folgezeit immer wieder. Wirklich total schockiert war ich dann 2019, als ich sah, dass einer der zwei Bäume abgesägt war. Von da an wusste ich, dass ich hier als ein Zeitzeuge tätig bin. Auf den letzten Bildern ist nun erkennbar, dass bereits zwei junge Bäumchen gepflanzt sind, die irgendwann einmal wieder so dastehen werden, wie die beiden Bäumchen auf meinem ersten Bild aus dem Jahr 1988. Natürlich heißt das auch, dass dann der zweite Baum ebenfalls verschwunden sein wird. Meine Bilderstrecke wird dann wieder von vorne beginnen. Wie lange werde ich selbst sie noch weiterführen können?

Bildergalerie Egidienstein: © Wilhelm Kleinöder, 2021, (CC BY-NC-ND 3.0 DE).