„Black Hole Sun” am Max-Planck-Institut für die Physik des Lichts schafft wissenschaftliche Symbiose zwischen Physik und Kunst.
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Mit diesem Text kündigten Johannes Brunner und Raimund Ritz ihr Kunstwerk an. Als Fotograf weckt solch ein Thema sofort Interesse. Schwarz und Weiß sind die Grenzwerte unserer fotografischen Tonwerte. Die Künstler versuchten, das schwärzeste Schwarz auf ihrem Objekt zu realisieren, das technisch möglich ist. In einem digitalen Bild ist das der Fall, wenn dunkle Tonwerte keine Differenzierung mehr haben oder wenn in Photoshop der Tonwert Null angezeigt wird.

Beim Ausdrucken eines solchen Bildes hat der Fotograf dasselbe Problem wie die Künstler. Es hängt vom Papier und der Druckertinte ab, wie tief das Schwarz im Ausdruck wird. In diesem dunklen Teil der Kugel gibt es keine Differenzierung von schwarzen Tonwerten; erst andere Bereiche des Bildes zeigen dunkles und dann mittleres Grau. Die Reflexion und Absorption des Photopapiers bestimmen, wie dunkel Schwarz erscheint. Es wird jedoch nie das tiefste Schwarz sein, das die Künstler auf ihrem Objekt aufgebracht haben.

Ein Kunstobjekt fotografieren?

Diese Frage stellt sich immer, wenn Fotografen ein Kunstwerk ablichten. Natürlich ist es legitim, für die Zeitung oder den Webauftritt über das Kunstwerk zu berichten. Aber wie verhält es sich bei der fotografischen Auseinandersetzung mit dem Kunstwerk? Wo endet die Dokumentation und wo beginnt die künstlerische Umsetzung als eigenes Werk? Bei „Black Hole Sun” wird es einfacher, weil die Umgebung mit den Formen des Gebäudes, den Treppen und der lichtdurchfluteten Wand bereits eigenständige fotografische Werke ermöglicht. Unterschiedliche Perspektiven und die Bewegung des Objekts bieten genug Spielraum für interessante Ergebnisse. Doch die Belichtung mit der Kamera ist nur der Anfang. Die fotografische Auseinandersetzung setzt sich am Computer fort.

Bildbearbeitung und Bild-Neugestaltung

Vorausgesetzt, die Belichtung mit der Kamera ist korrekt und die Lichter der Sonne sind nicht im Clippingbereich verschwunden, stehen für die Bildbearbeitung alle Tonwerte von Weiß bis Schwarz zur Verfügung. Die erste Frage lautet: Lasse ich das Bild in Farbe oder entscheide ich mich für eine Schwarzweiß-Umsetzung? Im Prinzip ist die Aufnahme bereits schwarzweiß, da das gesamte Treppenhaus weiß gestrichen ist. Die wenigen Farben stammen vom Lichteinfall der Sonne und den Möbeln und Schildern in der Umgebung.

Ich entschied mich, den RGB-Farbraum beizubehalten, weil farbige Nuancen das Bild prägten. Ich ging sogar noch einen Schritt weiter und fügte farbige Elemente hinzu, um eine neue Aussage zu erzeugen. Während „Black Hole Sun” die Grenzen der unbunten Tonwerte zeigt, ergänze ich mit meinen farbigen Elementen das Farbspektrum der Sonne. In der Welt gibt es keine Farbe ohne Licht; durch das Spektrum der Sonne erhalten wir reines Weiß, tiefstes Schwarz und alle Farben des Regenbogens.

Photoshop bietet unzählige Möglichkeiten zur Farbgestaltung; die Grenze setzt nur die Fantasie des Fotografen. Eigenständige Werke entstehen so allemal.

Schon bei meiner letzten Serie mit den „Fundstücken“ habe ich mithilfe von Pinseln teilweise künstliche Hintergründe erzeugt. Das war ziemlich schlicht, weil ich bis dahin keinen Umgang mit dem kreativen Einsatz von Pinseln hatte, sondern nur bei Masken und Dodge&Burn einen schlichten runden, meist weichen Pinsel eingesetzt hatte. Darüber hatte ich mich dann auch mit Phillip Wieder während seiner Ausstellung „Nature Morte“ in Nürnberg ausgetauscht und auch er hatte bei vielen seiner ausgestellten Bilder selbst erstellte Hintergründe verwendet, wie er mir erzählte. Im Internet lassen sich dann auch jede Menge Pinsel, die meisten kostenlos, herunterladen. Meine diesbezüglichen Experimente waren dann aber mehr als enttäuschend. Ob Ölfarbe oder Wasserfarben, die Ergebnisse waren schlichtweg unbrauchbar. Dann habe ich Pinsel von Kyle T. Webster entdeckt und dabei gelernt, dass er inzwischen Mitarbeiter von Adobe ist und dort seine Pinsel (kostenlos) im Angebot hat. Ich habe die Serien von Pinseln nicht mehr gezählt, die ich inzwischen heruntergeladen habe, aber es geht in die hunderte. Und hierzu kann ich sagen, alle sind für sich perfekt. Offensichtlich gehört hier viel Know-how dazu, solche Pinservorlagen zu erstellen. Ich habe tagelang damit herumprobiert und versucht nachzuempfinden, was dahintersteckt und habe jetzt schon ein wenig Erfahrung gewonnen. Aber erst die Praxis beim Erstellen der Bilder festigt dann die Erkenntnisse.

Erste Schritte

Meine ersten Versuche habe ich mit Bildern gemacht, die an einem Wassertümpel im Tennenloher Forst entstanden sind. Was lag da näher als zu sagen, die Bilder vom Wasser ergänzt mit Farben sind nun meine „Wasserfarben“. Deshalb hier der Titel über dieser Serie. Begonnen habe ich damit, die Bilder in Photoshop erst nach schwarzweiß umzuwandeln und dann über weitere Ebenen die selbst gemalten Hintergründe als Mischebene(n) einzubinden. Das hatte zum Ziel, zunächst die im Bild enthaltenen Farben zu entfernen und durch eigene Farbtöne zu ersetzen. Das erfordert viele Experimente, denn nicht immer entsteht mit den Mischebenen der gewünschte Effekt. So habe ich denn auch zusätzlich wieder ausgewählte Farbtöne (z. B. grünes Gras) aus dem Originalbild extrahiert und ins Bild zurück gemischt. So entstand meine erste kleine Serie.

Nik Color Efex

Die letzten Jahre hatte ich die Nik Collection kaum mehr benutzt, aber jetzt habe ich mich daran erinnert, dass ich ja auch damit gezielt Farbstimmungen in meinen Bildern erzeugen kann. Gemalt habe ich jetzt nicht mehr im Bild, sondern den Rahmen, immer passend zu den Farbtönen im Bild. Eines ist jedoch gleich geblieben, nämlich der Bezug zum Wasser und damit zu den „Wasserfarben“.

Da ich selbst auch auf Leinwand bereits mit Acryl und Enkaustik (flüssiges Wachs) gemalt habe, fand ich nun diesen Umgang mit gemalten Farben am PC sehr inspirierend. Und ich bin sicher, das war nur der Anfang einer neuen Phase zwischen Fotografie und Malerei.

Das hat wieder wochenlang in meinem Kopf gearbeitet, dann habe ich mich dazu entschieden, das auf einer Glasplatte zu versuchen, die in einigem Abstand vom Boden angeordnet war. Der erste Versuch mit spiegelndem Glas hat nicht funktioniert, aber mit einer matten Glasscheibe aus einem Bilderrahmen hat es dann meinen Vorstellungen entsprochen. Unterhalb der Glasscheibe auf dem Boden hatte ich jeweils einen weißen und einen schwarzen Passepartoutkarton sowie ein schwarzes Samttuch als Hintergrund benutzt. Da die Kamera fest auf einem Stativ stand, konnte ich so der Reihe nach jeweils drei Aufnahmen von den Blättern machen. Die Kamera war direkt mit dem Laptop verbunden, wo ich sofort nach der Aufnahme meine Belichtung beurteilen konnte. Alle Aufnahmen wurden so belichtet, dass ich die maximale Anzahl der Tonwerte zur Verfügung habe, d.h. für mich wie immer bei solchen statischen Motiven ETTR, Belichtung nach rechts.

Alle Bilder wurden im gleichen Maßstab fotografiert. Die länglichen Samen und das große Ahornblatt haben somit die Größe vorgegeben. Bei den kleineren Blättern wurde der Abstand beibehalten, womit später der Größenvergleich sichtbar bleibt. Der nächste Schritt war nun die Entwicklung in Lightroom und Photoshop. Sollte die Entwicklung nun Schwarz-Weiß oder farbig sein? Nach einem ersten Vergleich mit den beiden Eichenblättern habe ich mich zunächst für die farbige Entwicklung entschieden. Vielleicht kommt später noch eine schwarzweiß-Variante hinzu.

Nachdem alle Blätter losgelöst von ihrer Umgebung fotografiert wurden, hatte ich jetzt die völlige Freiheit diese in eine neue Umgebung einzubinden. Dass ich mich dabei nicht an der Wirklichkeit orientieren musste, ist ja sofort klar, denn sonst hätte ich das ja direkt in der Natur machen können. Entsprechende Aufnahmen dieser Art habe ich ja schon zur Genüge in meinem Archiv. Aber genau das habe ich schließlich auch genutzt und habe mir Hintergründe ausgesucht, die vielleicht so hätten sein können. Allerdings manchmal mit viel Fantasie. Durch die Anwendung von Unschärfe und verschiedener Mischmodi der Ebenen in Photoshop habe ich versucht, unterschiedlichste Ergebnisse zu erzielen. Habe ich mal keinen passenden Hintergrund gefunden, wurde dieser mit einigen Pinselstrichen eben selbst erstellt und dann mit der Ebenenmischung passend gemacht.

Hier ist nun meine Galerie.

Meine Bearbeitungen sind hier alle mit Photoshop gemacht. Dabei habe ich vielfach mit Doppelbelichtungen gearbeitet, die ich bereits bei der Aufnahme bewusst unscharf eingestellt habe. Werden diese beiden Aufnahmen kombiniert, ergibt sich diese leichte Überstrahlung, die hier den Nebelaufnahmen die mystische Stimmung gibt.

Jeder Film wird dabei individuell belichtet und entwickelt. Die Entwicklungsparameter werden dabei bereits bei der Belichtungsmessung festgelegt. Hier war es nötig, eine N+2 Entwicklung zu machen, um den geringen Kontrastumfang durch den Nebel von Zone VI auf VIII anzuheben. Das definiert dann auch den ISO Wert (250) und die Belichtungsparameter f/32 1/3 bei 1/8 sec. Eine Aufnahme reichte mir damals und ich wusste, dass das Ergebnis stimmen würde. In der Rückschau ist mir das wichtig zu erwähnen, weil es eine Arbeitsweise beschreibt, der ich mich heute wieder annähere. Mit meiner jetzigen Technik, wo ich bei einer sehr genauen Belichtung nach rechts (ETTR) versuche, bestmöglichen Tonwertumfang des digitalen Sensors auszunutzen. Mein damaliges Wissen basierte auf hunderten von Testaufnahmen und Planfilmentwicklungen, die mir die Sicherheit gaben, das gewünschte Ergebnis bezüglich Schwellenwert und maximaler Filmdichte in den Lichtern zu erreichen. Heute kann ich ebenfalls von meinen Experimenten mit dem an der Kamera angeschlossenen Computer profitieren, der mir anzeigt, wann der kritische Clippingpunkt erreicht ist. Bei der digitalen Bearbeitung am Computer sehe ich dann, wie sich das Wissen von damals mit dem heutigen vereint. Es sind die Tonwerte, die das Ergebnis maßgeblich bestimmen. Bei einem großformatigen Negativ mit 8×10 Inch, transferiert auf das Silber-reichste Fotopapier, das es damals gab (Kodak Elite) ist das trotz allem noch eine handwerkliche Herausforderung gewesen. Heute kann ich mit einem optimal belichteten RAW-Bild ein Vielfaches mehr erreichen, da der Prozess mit Lightroom und Photoshop sehr viel leichter gesteuert werden kann.

Den Egidienstein fotografierte ich in der Folgezeit immer wieder. Wirklich total schockiert war ich dann 2019, als ich sah, dass einer der zwei Bäume abgesägt war. Von da an wusste ich, dass ich hier als ein Zeitzeuge tätig bin. Auf den letzten Bildern ist nun erkennbar, dass bereits zwei junge Bäumchen gepflanzt sind, die irgendwann einmal wieder so dastehen werden, wie die beiden Bäumchen auf meinem ersten Bild aus dem Jahr 1988. Natürlich heißt das auch, dass dann der zweite Baum ebenfalls verschwunden sein wird. Meine Bilderstrecke wird dann wieder von vorne beginnen. Wie lange werde ich selbst sie noch weiterführen können?

Bildergalerie Egidienstein: © Wilhelm Kleinöder, 2021, (CC BY-NC-ND 3.0 DE).

Obwohl ich ja seit einiger Zeit immer sehr auf die korrekte Belichtung achte und dazu die sofortige Kontrolle mit dem Tablet und der RawDigger Software mache, habe ich das hier zunächst nicht so gemacht. Ich war einfach fasziniert von dem Licht mit der steil stehenden Sonne, die einen schönen Schatten unter dem Baum hervorrief. So habe ich dann eine Serie mit meinem Sigma Superweitwinkel Objektiv gemacht, das ja nur für das APS-C Format gerechnet ist. Ich hätte ja mit einem Tastendruck umschalten können, um die Vignettierung auszuschalten, aber mir gefiel diese Rand Abschattung so gut, dass ich sie bewusst in die Bildkomposition einbezogen habe. Die Belichtung habe ich bei dieser Serie mit Blenden Vorwahl und automatischer Zeit und ISO gemacht und dabei auch noch eine plus-Korrektur von 2/3-Blenden eingestellt. Zu Hause im RawDigger hat sich dann natürlich gezeigt, dass ich doch besser gleich vor Ort die Kontrolle gemacht hätte – viele Bereiche sind durch das Gegenlicht stark überbelichtet gewesen.

Eine letzte kleine Serie mit dem Sigma f1,435mm Objektiv habe ich dann noch von den Wurzeln vom Stativ aus gemacht und hierbei die Kontrolle mit dem RawDigger gleich vor Ort gemacht. Das war auch gut so, denn die Lichtflecken auf dem Boden wären sonst ebenfalls völlig ausgebrannt und die Bilder damit unbrauchbar gewesen. So habe ich denn jeweils 3 Bilder mit unterschiedlicher Entfernungseinstellung gemacht, die ich in Photoshop zu einem scharfen Bild zusammengefügt habe (stacking).

Und das letzte Bild entstand ebenfalls aus drei einzelnen Aufnahmen, die mit dem Sigma f1,435mm Objektiv als vertikales Panorama aufgenommen wurden.

Die Bearbeitung der Bilder erfolgte mit Lightroom und Photoshop. Meine Technik hierzu ist immer wieder Änderungen unterworfen. Ein wenig Einblick gibt mein Kurs “Praxis schwarzweiß Fotografie“, den ich im Seniorennetzwerk Erlangen gehalten habe.