Heute jedoch entstehen in der digitalen Welt die Bilder zu mehr als 99 % in Farbe und man muss bei der Auswahl am Computer entscheiden, was geht und was nicht. So hatte auch ich bei dieser Tour Bilder in der Auswahl, die in schwarzweiß keinerlei Berechtigung hatten. Eine schnelle Beurteilung erlaubt dabei Lightroom mit der Taste „v“, mit der das Bild im schwarzweiß Modus angezeigt wird. Bei den meisten Bildern kann man sofort ja/nein entscheiden, ob man mit der Umwandlung beginnt oder eben nicht. Ist man unsicher, nutzt man einige weitere Schritte mit den Standardfiltern zur schwarzweiß Umwandlung, die ja auch aus der analogen Fotografie bekannt sind. Man berücksichtigt dabei die wesentlichen Farben aus dem Bild und nimmt dann diese Farbfilter in Lightroom zur Steuerung der Tonwerte. Kann man damit eine Verbesserung der Bildaussage erreichen, macht man mit der Arbeit weiter, wenn nicht, beendet man das hier und konzentriert sich auf die Bearbeitung des Farbbildes. Das habe ich mit diesen Bildern hier gemacht.

Sofort auffallend ist eine sehr experimentelle Umsetzung eines schlichten Mauerblümchens, dessen botanischen Namen ich leider nicht weiß. Entstanden ist dieses Bild aus einer Laune heraus, weil ich mit meiner Kamera mal experimentieren wollte, wie viele Aufnahmen in Serie sie hintereinander machen kann (es waren 25 in weniger als 3 Sekunden). Dass nicht alle im Focus waren, wusste ich bereits bei der Aufnahme, da ich diesen ausgeschaltet hatte. Die Schärfe war mir bei der Aufnahme auch nicht wichtig, da ich vorhatte, die Serie als Ebenen Stapel in Photoshop in verschiedenen Mischebenen zu überlagern. Dazu machte ich zunächst eine kleine Sammlung mit 7 Bildern, die ich im Ebenen Stapel hatte. Damit wurden die besten Ergebnisse ermittelt und dann das Ganze mit allen 25 Bildern im Ebenen Stapel wiederholt. Das dauert ein wenig und auch hier musste ich die Einstellungen weiter nachjustieren, denn 25 Bilder im Stapel verhalten sich nun mal anders als nur 7 Bilder.

Bei den restlichen Bildern in der Serie handelt es sich um die Aufnahmen, bei denen eine Umwandlung in schwarzweiß keine schlüssigen Ergebnisse geliefert hätte. Die Beschränkung der Bilder auf ein quadratisches Format mit Rahmen soll die Einheit der Serie unterstreichen.

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Es gibt aber Ausnahmen, das EYE Photo Magzine ist eine davon, die ich schon länger online lese (seit 2016). Über den Flash-Player im Browser lässt sich das Magazin leicht durchblättern oder als PDF herunterladen und lokal speichern und ansehen (kostet seit neuestem dann auch 2,50 €, die man online bezahlen muss). Es gibt regelmäßige Ausgaben, Hefte mit Sonderthemen und „Special issues“. Nach Rückfrage beim Publisher habe ich meine Bilder zu verschiedenen Schwerpunkten meiner fotografischen Arbeit (Porträt, Landschaft, Experimentell) eingereicht zusammen mit meinem fotografischen Lebenslauf.

Gewünscht waren vom Publisher 20 – 25 Bilder (die unten alle zu sehen sind). Aus diesem Fundus trifft er allein die Auswahl. Das Ergebnis kann man sich auf der EYE Photo Magazine Seite ansehen oder hier mit dem direkten Link zum Blättern:

Landschaft

Experimentell

Portraits

Vernissage: Montag, 3. April 2017 um 17:00 Uhr im Foyer des Rathauses Erlangen

„fotospektrum 2017“ heißt eine Ausstellung im Foyer des Erlanger Rathauses. Acht Amateur-Fotografen aus Erlangen, dem Eckentaler und dem Forchheimer Raum geben einen Einblick in ihr bildnerisches Schaffen. In der Ausstellung geht es nicht um ein einheitliches Thema, sondern jeder hat Bilder aus seinen Schwerpunktthemen des letzten Jahres ausgewählt. Die Ausstellung wird am Montag den 3. April 2017 um 17:00 Uhr mit einer Einführung durch den OB Dr. Janik und Sepp Martin eröffnet.

Meine Bild-Kompositionen gehen in die nächste Runde. Erste Bilder entstanden bereits vor über einem Jahr und sind in verschiedenen Beiträgen unter dem Titel „Wie gemalt“ veröffentlicht worden (hier, hier, hier und hier). Mein Beitrag zu „Offen auf AEG“ hat ebenfalls einige neue Elemente des Composings zum Inhalt gehabt, aber nur auf Basis von Lightroom. Die hier vorgestellten Arbeiten entstanden dagegen in den letzten sechs Monaten in Photoshop und ich habe lange gezögert, diese zu veröffentlichen. Zu gewagt schien mir das alles, was ich am heimischen Computer so komponiert habe. „Als Komposition (von lateinisch componere, zusammenfügen‘) wird die Schöpfung, Erarbeitung und Urheberschaft eines musikalischen Kunstwerks (das Komponieren), sowie das vollendete, zur Aufführung bereitliegende Tonstück selbst, insbesondere sein musikalischer Aufbau bezeichnet“ (Quelle Wikipedia). Diesen Gedanken nehme ich hier auch für meine fotografischen Werke in Anspruch.

Auf meine Bilder bezogen mache ich in Photoshop ebenfalls nur ein „zusammenfügen“ einzelner Bilder oder verschiedener Bildausschnitte bis das vollendete Werk bereitsteht für die Belichtung auf Fotopapier und damit zum Hängen in einer Ausstellung. Von Modest Mussorgski kennen wir den Klavierzyklus „Bilder einer Ausstellung“, aber für mich gilt schon lange der umgekehrte Weg, nämlich dass „Klänge zu Bildern werden“. Klangfarben gibt es in der Musik mindestens ebenso viele wie in der Malerei und natürlich auch in der Fotografie. Lichte und luftige Nebelaufnahmen gehen über in sphärische Klänge und das goldene Himmelslicht eines Sonnenaufgangs vereint sich mit der Morgenstimmung von Edvard Grieg. Die Bild-Kompositionen formen sich vom lichten Aquarell zum kräftigen Gemälde und enden manches Mal auch in gewagten Experimenten.

Dass ich nicht der Einzige bin, der diese Gedanken in sich trägt, höre ich täglich über „Klassik Radio“ aus dem Lautsprecher. Hier wird ebenfalls gezielt der Zusammenhang zwischen Malerei und Musik hergestellt mit verschiedensten Vergleichen.

„Wenn Klänge zu Bildern werden“

Mit feinem Strich
Breitem Pinsel oder
Zartem Valeur

Zarte Linien
Weiche Schatten
Ungeahnte Kontraste

Lichte Aquarelle
Kräftige Gemälde
Gewagte Experimente

Kräftige Konturen
Pulsierende Farben
Neue Perspektiven

Düstere Abgründe
Phantastische Landschaften
Goldenes Himmelslicht

Das sind so die Beschreibungen zu den klassischen Werken bei diesem Sender.

Wenn man wie ich auch selbst malt (Acryl/Encaustic), hätte man hier auch wieder zu Pinsel oder Spachtel greifen können. Ich wollte aber meine vor mehr als einem Jahr begonnenen Fähigkeiten im Copmposing von Bildern mit Photoshop weiter ausbauen. Wie in meiner Malerei habe ich auch hier meine Kompositionen mehr ins Abstrakte hin ausgedehnt. Natürlich bleiben bei vielen Bildern die Ursprungsformen erkennbar, aber die rein fotografische Darstellung wird aufgehoben. Formen bleiben erkennbar, aber Farben werden durch die verschiedenen Mischtechniken übersteigert, ins Negative verkehrt oder mit den Farbtönen anderer Bilder vermischt.

Eine meiner Techniken benutzt manches Mal auch nur ein Einzelbild, das mehrfach kopiert auf den Kopf gestellt und oder zusätzlich gespiegelt oder auch in der Größe verändert wird. Durch Zusammenfügen der verschiedenen Ebenen mit unterschiedlichen Mischmodi und Masken entstehen so völlig abstrahierte Bild-Kompositionen aus nur einer Vorlage.

Doch wann ist das Ende des Arbeitsprozesses erreicht? Wann hat die Abstraktion das richtige Maß, wann ist sie radikal genug um etwas Neues auszudrücken? Es gibt keine Theorie, die uns diese Frage, „wo ist das Ende der Abstraktion erreicht“ beantworten kann? Für mich ist es dennoch sehr einfach: es gibt bei mir einen Punkt, der mir „Stopp“ sagt. Das kann bei einzelnen Kompositionen sehr schnell der Fall sein, wenn intuitiv zwei oder drei Bilder mit meiner ersten Einstellung ein Ergebnis erzeugen, mit dem ich so nicht gerechnet hatte und ich völlig überrascht sehe, was hier herausgekommen ist (ist natürlich nicht so häufig der Fall). Andere Bild-Kompositionen brauchen Zeit, Erfahrung und Experimentierfreude, um zu neuen Ansichten zu kommen. Dabei können schon viele Ebenen mit zusätzlichen Masken zusammenkommen, bis das finale Ergebnis steht. Im Zweifel hebe ich mir die komplette Datei auch auf, um zu einem späteren Zeitpunkt noch mal darauf zurückkommen zu können.

Ohne einen Plan in der Hand sind wir gleich nach unserer Ankunft (mit dem Rad) ins erste Gebäude gegangen und haben ebenfalls gleich beim ersten Künstler, der seine Türe offen hatte mal hereingeschaut (Yannick Wende). Wie ich gleich sehen konnte, war der Künstler ein Fotograf, der einige seiner Bilder auf einem Tisch ausgebreitet hatte (Format ca. 13×18 cm). Ich hatte ebenfalls meine Kamera umhängen und so sind wir sofort ins Gespräch gekommen. Es hat sich schnell gezeigt, dass er gerade eben sein Studium an der Kunstakademie abgeschlossen hatte und nun am Übergang zur Selbständigkeit steht. Sofort habe ich einige Bilder auf dem Tisch entdeckt, die sehr experimentell aussahen. Ein Thema, das ich zurzeit selbst sehr intensiv mit Photoshop verfolge. Das, was ich gesehen habe, hat mir gezeigt, dass ich mit meinen (bisher nicht gezeigten Bildern) durchaus einen Weg gehe, der bisher scheinbar wenig gegangen wird.

Auf jeden Fall hat mich das gerade eben bei der Bildauswahl für diesen Beitrag dazu motiviert, eine experimentelle Umsetzung meiner ausgewählten AEG-Bilder mal nur mit Lightroom zu machen. Bisher habe ich ähnliches nur in Photoshop gemacht. Eingesetzt habe ich dabei die Gradationskurve und den Verlaufsfilter mit Farbmaske. So entsteht eine Art Color-Negativ Effekt.

Im weiteren Verlauf des Tages sind wir dann noch über die drei anderen Stockwerke mit den langen Fluren und den vielen Künstlerzimmern entlang gegangen und haben weitere Gespräche mit den Künstlern geführt. Ein weiterer Höhepunkt war dann die Werkschau der auf dem Campus vertretenen Künstler (die wir teilweise natürlich sofort anhand ihrer Bilder wieder erkannt haben), die Werkschau der Kunstakademie und die Fotoausstellung f/stop von Künstlern aus Leipzig. Für die Besichtigung der vielen Labors der High-Tech-Firmen auf dem Gelände blieb dann gar keine Zeit mehr. Irgendwann ist man einfach gesättigt. Ich bin sicher, dass ich 2017 wieder hier sein werde.

Und hier das erste Bild m Vergleich Vorher – Nachher