Meine Geschichte ist mit den Aufnahmen der Blüten aber noch nicht zu Ende. Irgendwann kommt der Zeitpunkt, dass eine Blüte nach der anderen abgeworfen wird. Die habe ich dann in einer Schachtel gesammelt und dann selbst wieder zum Motiv gemacht. Die Farben scheinen verblasst zu sein, da ich bis zur Clippinggrenze belichtet habe, aber gerade damit lassen sich kontrastreiche Farbbilder entwickeln. Hier habe ich nun aber mit Blende f/8,0 gearbeitet, um eine bessere Tiefenschärfe zu erreichen.

Meine Dunkelkammer war wieder Lightroom und Photoshop und hier besonders meine Profile in Lightroom für die Umsetzung nach schwarzweiß. Die besondere Herausforderung war bei allen diesen Bildern natürlich die Farbe Weiß. Die Tonwerte liegen im obersten Spektrum der Tonwertskala und erfordern eine besondere Differenzierung. Diese erreicht man aber nur dann, wenn die Belichtung optimal gemacht wurde. Meine ETTR-Praxis hat sich auch hier wieder einmal bestens bewährt. Kein Clipping bei der Aufnahme garantiert die bestmögliche Differenzierung bei der Entwicklung der hellen Tonwerte, egal, ob in Farbe oder Schwarzweiß.

Die Bilder dieser Serie sind bewusst gemischt in Farbe bzw. in Schwarzweiß entwickelt worden. Es gibt einfach einzelne Bilder, die Farbe erfordern. Dass es aber auch mal gemischt geht, soll in diesem Fall auf die letzte verbleibende Blüte zeigen. Nur wenige Stunden nach der Aufnahme war auch deren Zeit abgelaufen.

Mein zweiter Schwerpunkt die letzten Monate war die Auseinandersetzung mit dem Thema Schwarzweiß-Bilder und besonders das der künstlerischen Schwarzweiß Fotografie im Besonderen. Trotz der millionenfachen Treffer mit den Suchmaschinen zu diesen Stichworten kann ich diese Frage für mich bis heute nicht beantworten: „Was ist gute künstlerische Schwarzweiß Fotografie“? Oder vielleicht doch? Ich muss mich nur darauf zurückbesinnen, was mir diesbezüglich schon mehrfach passiert ist. Ganz zu Beginn meiner fotografischen Aktivitäten habe ich viele Bilder bei Wettbewerben und Fotozeitschriften eingereicht und dafür auch Anerkennung erfahren, bis ich dann bemerkt habe, dass die Bilder dort gar nicht mehr meine Bilder waren, sondern einfach nur den Zeitgeist befriedigt haben. Das wollten die Leute damals einfach sehen. Wenn ich mir die Medienlandschaft heute so ansehe mit den vielen „Sozial Media Kanälen“ (für mich meist unsoziale Kanäle), sehe ich genau das wieder. Gepostet wird natürlich erst mal alles, aber es gibt Trendsetter, denen viele hinterherlaufen. Das ist aber auch auf Webseiten von, wie ich meine, durchaus sehr guten Fotografen der Fall, deren Newsletter ich lese und damit auch deren Bilder ich mir regelmäßig ansehe. Es dauert nicht lange, bis man ähnliche Bilder in dieser Machart auch woanders findet, z. B. wieder auf internationalen Wettbewerben (wo ich mich heute auch wieder mit anderen Fotografen messe).

Gute Dinge nachzumachen finde ich nicht schlimm, denn man muss das ja erst mal verstehen und es auch selbst handwerklich können. Aber da sind wir dann wieder beim oben angesprochenen Zeitgeist und der Frage, ob das dann noch meine Bilder sind. Ich ziehe für mich daraus den Schluss, nachmachen ja, aber nur um selbst die besten technischen Fähigkeiten zu erwerben, um dann mit diesen Fähigkeiten die eigenen Bilder zu machen. Es ist ja auch kein Zufall, dass mein Blog „Meine Art zu sehen“ heißt. Und darauf werde ich mich weiter besinnen, wenn ich meine Bilder mache. Kann schon sein, dass diese Bilder nicht immer dem Zeitgeist entsprechen, aber damit kann ich gut leben.

Wo man selbst bei den technischen Fähigkeiten steht, ist nicht ganz leicht einzuschätzen, aber es ist heute mit den YouTube Videos doch schon relativ einfach zu sehen, ob ich von diesen noch was lernen kann oder nicht. Ich denke, dass ich da schon ganz gut im oberen drittel liege, aber es gibt einige Fotokünstler, die hier durchaus noch mehr bieten; von einigen habe ich mir entsprechende Schulungsvideos gekauft, weil die eben nicht alles auf YouTube preisgeben. Das ist auf jeden Fall eine spannende Sache, selbst herauszufinden, wo man technisch und künstlerisch steht. Technisch gesehen sehe ich schon einigermaßen weit oben, künstlerisch werde ich in Zukunft sicher noch mehr experimentieren um zu sehen, wo mich das hinführt.

Auch für die unten gezeigten Bilder gilt, dass sie technisch meine heutigen Fähigkeiten repräsentieren und fotografisch/künstlerisch entsprechen sie ebenfalls meiner heutigen Sehweise. Die Bildauswahl für diese Serie habe ich (bis auf das Titelbild) bereit vor vier Wochen getroffen. Mit diesem zeitlichen Abstand sehe ich heute wieder einiges neu und besonders durch die obige Reflexion in einem anderen Licht. Es sind Einzelbilder, die hier entlang unseres Weges entstanden sind. Der Zusammenhalt erfolgt durch den gegangenen Weg. Nicht sichtbar für den Betrachter der Bilder sind die Gedanken, die ich mir während der Aufnahme gemacht habe und der magische Moment, mit dem mich das Motiv dazu bewegt hat, die Aufnahme zu machen. Diese Gedanken kenne ich und diese Empfindungen würden mich auch heute wieder veranlassen, diese Motive aufzunehmen. Irgendwann werde ich diese Gedanken niederschreiben, im Moment kann ich das noch nicht.

Da habe ich die Ankündigung des aj User Meetings in Usedom gesehen und die genannten Themen haben mich sofort Interessiert. Andreas Jorns Seite lese ich regelmäßig und seine Art Bilder zu machen hat mich schon mehrfach inspiriert. Also habe ich mich spontan angemeldet. Ich wollte einfach sehen, wo ich so im Vergleich zu all den anderen Fotografen stehe, die hier erwartet wurden.

Bei ca. 170 Teilnehmern war es aber dann auch nicht leicht, immer passende Gesprächspartner zu finden. Es gab aber ein umfangreiches Angebot an Vorträgen und Model-Shootings, wo man sehen konnte mit welcher Intensität sich einzelne Teilnehmer mit dem Thema Fotografie auseinandersetzen. Das war schon mal eine gute Inspiration und Motivation für meine eigene fotografische Arbeit. Besonders die Wahl von Themen, wo in Serien gearbeitet werden kann, hat mich weiter für meine eigene Arbeit motiviert. Obwohl ich das schon regelmäßig mache, werde ich das noch intensiver betreiben. Viele der Teilnehmer haben auch eigene Fotobücher vorgestellt, was ja genau diese Arbeitsweise einfordert. Eine bunte Bildersammlung in einem Buch ist zwar für das Familienalbum geeignet, aber eine Publikation für ein größeres Publikum verlangt schon mehr. Vielleicht werde ich das irgendwann mal realisieren; im kleinen Maßstab habe ich das ja schon mit meinen persönlichen Fotobüchern begonnen. Aber hier könnte mal mehr daraus werden.

Es gab dann natürlich noch viele freie Stunden, die ich für Spaziergänge am Strand genutzt habe, um zu fotografieren. Das Meer ist für mich noch eine recht unbekannte Umgebung, die ich erst noch erkunden musste. Die Ausarbeitung der Bilder habe ich wieder in Lightroom und Photoshop gemacht. In den meisten Fällen habe hierzu Profile von verschiedenen analogen SW-Filmen über Adobe Camera Raw geladen und diese dann entsprechend den gewünschten Tonwerten überblendet. Aber ich habe inzwischen ein breiteres Spektrum an Techniken entwickelt, die ich bei Bedarf einsetze. Dazu gehören u. a. Luminanzmasken und Mischebenen verschiedener Art, mit denen ich die Tonwerte gezielt beeinflussen kann.

Der Herbst ist dafür eine gute Zeit, denn die meisten Blätter haben sich von den Ästen gelöst und somit bilden diese eine schöne Struktur. Und Strukturen sind für Schwarzweißbilder nun mal ein wichtiger Aspekt zur Gestaltung. Und natürlich hatte ich als Ergebnis meine Schwarzweißbilder bereits bei der Aufnahme im Kopf. Eine Abstrahierung von Farbe zu Schwarzweiß ist kaum erforderlich, da sich die Natur hier bereits überwiegend in Grauwerten zeigt.

Beim Thema belichten würden sich die meisten Fotografen bei Nebelbildern kaum Gedanken machen, sind doch die Kontraste so gering, dass jede Automatik diese im Dynamikumfang des Sensors leicht unterbringen kann. Nicht jedoch ich. Würde die Automatik nämlich die sechs bis sieben EV-Werte (mehr sind es bei Nebel nicht) in die Mitte das 14 Bit Sensors legen, wären wichtige Tonwertbereiche am oberen Ende des Sensors verschenkt. Genau dort liegen aber die feinen Differenzierungen der Tonwerte mit bis zu 16357 Tonwerten bei meiner Sony Alpha 99M2 (wie auch bei allen anderen Kameras mit entsprechendem 14 Bit Sensor). Also verwende ich auch hier mein Windows Tablet Surface Go und den darauf installierten RawDigger, um direkt nach der Aufnahme die Belichtung zu kontrollieren und gegebenenfalls diese anzupassen. Was natürlich nie passieren darf, bei diesen und auch allen anderen Aufnahmesituationen, ist, dass die Clipping Grenze überschritten wird. Diese Pixel wären für immer verloren und das sieht man den Bildern dann auch an. Ein Beispiel des bis an die Grenze belichteten Bildes zeigt der Screenshot mit dem Raw-Histogramm für das erste Bild in der Galerie (ETTR – Exposure to the right). Je Farbkanal beträgt der EV-Umfang gerade mal 4 2/3 Blenden und gesamt über alle drei Kanäle 6 EV Werte. Würde dieses Bild auf EV 0 hin belichtet (drei Blenden niedriger) hätte man nur 2048 der verfügbaren 16384 Tonwerte genutzt. Das fehlt dann bei der nachfolgenden Bearbeitung zur Differenzierung der hellen Tonwerte, die ja im hellen Bereich bis an weiß heranreichen.

Bei der Bearbeitung hat man bei Nebelbildern erst mal ein Graustufenbild im wahrsten Sinn des Wortes vor sich liegen, das nach der ersten SW-Umwandlung zwar ohne Farbe ist, aber noch längst kein Schwarzweißbild. Hier beginnt dann der zweite Teil, der kreative Prozess in der künstlerischen Auseinandersetzung. Hier stellt sich die Frage, wie weit  man den Bereich von hell bis dunkel ausdehnen kann, ohne den Charakter des Nebelbildes zu verlieren? Mein Schwerpunkt lag hierbei bei den hellen und mittleren Tonwerten, die basierend auf der ETTR-Aufnahme auch reichlich vorhanden sind. Die dunklen Bereiche wurden nur punktuell herausgearbeitet. Hierfür nutze ich das aktuelle Plugin TK7 von Tony Kuyper mit den dort angebotenen Aktionen.

Der nächste Schritt war dann die Ausgabe der Bilder als jpg-Datei für die Veröffentlichung auf der Webseite. Auch das war nicht ganz so einfach. Als ich die ersten Bilder meinen Fotofreunden präsentierte, musste ich feststellen, dass jede Menge “Banding” in den hellen Tonwerten zu sehen war anstatt eines glatten Verlaufes der Tonwerte von hellgrau nach weiß. Die beim Export eingestellte Bildgröße von maximal 400 KB war hierzu nicht ausreichend. Aber einfach die Bilder im Megabyte-Bereich auszugeben ist auch keine Lösung, weil dann die Ladezeiten im Web zu lang werden. Also mussten alle Bilder individuell angepasst werden, damit kein Banding mehr sichtbar ist und die Dateigröße trotzdem so klein wie möglich bleibt.

Mein letzter und inzwischen wichtigster Schritt bei einer neuen Serie ist inzwischen die Ausgabe einiger Bilder als Print auf meinem Epson Drucker. Mit der Ausgabequalität bezüglich Banding gibt es dabei natürlich keine Probleme, da hier das Originalbild mit maximaler Auflösung als Basis genommen wird. Auch wenn diese Beschreibung techniklastig wirkt, stellt sie dennoch meinen derzeitigen künstlerischen Prozess von der Aufnahme bis zum “Fine Art Print” dar.

Dieses Jahr war, zumindest in der zweiten Hälfte, geprägt von meinen Ziel primär künstlerische Fotos in schwarzweiß zu erstellen. So habe ich online Kurse auf Video gekauft und dazu auch eine recht wertvolle Sammlung von Profilen mit analogen schwarzweiß Filmen für Lightroom und Photoshop. Das ist eine wirklich neue Erfahrung für mich gewesen, was man damit an Differenzierung bei der Bearbeitung erreichen kann. Dieses Jahr steht auch noch ein „Meet-up“ mit Andreas Jorns auf Usedom an und nächstes Jahr ein SW-Kurs in Zingst. Für mich soll das eine Standortbestimmung werden, da ich seit einiger Zeit ein wenig am Zweifeln war, wo ich stehe und wie ich mich künstlerisch und fotografisch weiter entwickeln kann.

Dieses Jahr habe ich erstmals auch am „Spider Award“ teilgenommen und mit einem von zwei Bildern eine Nominierung erhalten. Das war schon mal eine richtig gute Ermunterung und Bestätigung des eingeschlagenen Weges künstlerische Schwarzweiß Fotos zu erstellen.

Meine fotografischen Aktivitäten haben sich bereits seit meinem Ruhestand im Jahr 2015 stark intensiviert. Eine wichtige Aktivität waren und sind meine Kurse im SNE. Ich habe für mich das digitale Zonensystem entwickelt und versucht, es in Kursen zu vermitteln. Aber besonders das Thema „Licht und Belichtung“ hat mich technisch und künstlerisch auf eine neue Ebene befördert. Besonders habe ich für mich gelernt, Helligkeiten und Kontraste zu nutzen, die ich dieser Form vorher noch nie so differenziert heraus gearbeitet hatte. Viele meiner Arbeiten zeigen heute ein an Tonwerten reiches Spektrum von Helligkeiten, die besonders in ihrem Maximum die Grenze zu weiß berühren, aber auch dort eine maximale Differenzierung behalten. So wurde aus dem Kursthema „Licht und Belichtung“, meine heutige Vision, mit dem „Licht an die Grenzen zu gehen“ sowohl bei der Aufnahme als auch später in der Bearbeitung. Wer sich die Zeit nimmt, die Bilder in Ruhe zu betrachten, wird einiges davon bestätigt sehen.

Dieser Erkenntnis schließt sich eine weitere an, die ich in meinen großformatigen Aufnahmen wiederentdeckt habe. Das was ich hier und heute für mich als Vision definiert habe, hatte ich vor 30 Jahren schon mal gemacht. Auch diese Bilder zeigen ein Maximum an Tonwerten (bei 8×10 inch Negativen ist das ja fast normal), aber eben auch damals bereits von den tiefsten Tonwerten bis hinauf in die Lichter mit maximaler Differenzierung. So schließt sich der Kreis und man stellt fest, dass hier im Unterbewusstsein schon lange eine Kraft aktiv war, die mich heute wieder auf diesen Weg gebracht hat.

Aber die meisten Bilder von dieser Tour hatte ich längst als schwarzweiß-Bilder bereits während der Aufnahme im Kopf. Wie geht das? Ich brauche hierzu keine Hilfsmittel mehr (z. B. die Kamera auf SW einzustellen, wie es häufig empfohlen wird), denn in meiner bisherigen fotografischen Entwicklung habe ich viele Jahre nur in Schwarz und Weiß fotografiert. Und im Grunde genommen ist die Vorstellung davon sehr einfach zu realisieren, denn fotografieren in schwarzweiß bedeutet,  Helligkeiten und Kontraste zu fotografieren. Und das war an diesem Tag eine ziemlich einfache Sache, denn die Sonne beleuchtete die Gräber auf dem Johannisfriedhof auf die wunderbarste Art und Weise.

Bereits nach wenigen Aufnahmen habe ich die kleinen weißen Engelsfiguren für mich entdeckt. Bei denen waren die Helligkeiten und die Kontraste extrem ausgeprägt. Aber für mich und meine Art zu fotografieren war dies genau die richtige Herausforderung. Konnte ich doch die korrekte Belichtung sofort nach der Aufnahme auf dem Windows Tablet Surface Go direkt mit dem RawDigger kontrollieren. Ziel war maximale Belichtung nach rechts, ohne in den Clipping Bereich zu kommen. Das garantiert die maximalen Tonwerte in den hellsten Stellen, ohne Pixel zu verlieren.

Diese Art der künstlerischen Fotografie in Schwarzweiß ist inzwischen mein Weg und mein Ziel, um Bilder zu schaffen, die die Grenzen des Tonwertumfanges maximal ausreizen. Wenn ich heute zurückblicke auf die Zeit, als ich analog mit der Großformatkamera auf schwarzweiß Film gearbeitet habe, wird mir bewusst, was maximaler Tonwertumfang wirklich bedeutet. Hatte man damals sein Negativ nach dem Zonensystem korrekt belichtet und entwickelt, konnte man im Labor auf Papier normaler Gradation ein nahezu perfektes Ergebnis erhalten. Mit den heutigen Möglichkeiten der digitalen Fotografie lässt sich das wieder erreichen, wenn nicht sogar übertreffen, da die Möglichkeiten bei der Ausarbeitung am Computer ungleich vielfältiger sind, als damals im Labor, wo es neben abwedeln und nachbelichten kaum Möglichkeiten gab, die Tonwerte weiter zu beeinflussen. Ein wenig konnte man noch mit einer Selentonung erreichen. Was unter diesem Stichwort heute aber digital als Presets angeboten wird, ist leider völlig daneben; das kann ich aus meiner Erfahrung hier mal sagen.

Die Ausarbeitung der Bilder erfolgte mit Lightroom und Photoshop.

Viele der Engelsfiguren haben einen Spruch der Erinnerung als Botschaft an den Besucher und an den verstorbenen. Einen möchte ich hier besonders hervorheben:

Es gibt erfülltes Leben trotz vieler unerfüllter Wünsche.
– Dietrich Bonhoeffer

Wenn man wie hier so viele Engelchen fotografiert und sorgfältig bearbeitet hat, kommt man schon ein wenig ins Grübeln. Schließlich sind diese Engelchen nicht irgendwelche Figuren, sondern Botschafter zwischen der Erde und dem Himmel. Selbst ohne Worte drücken diese Figuren für mich Botschaften aus, die von den Angehörigen den verstorbenen liebevoll entgegengebracht werden. Auch wenn längst die Farbe abblättert und Hände oder Füße abgebrochen sind, bleiben diese Botschafter des Himmels ein Stück Verbindung zu den zurückgebliebenen. Ich bin noch im Nachhinein ein wenig gerührt von dieser Erfahrung, die ich hier machen durfte.